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Carte blanche à Ambrose Akinmusire
Festival Sons d'hiver : Connu pour son souffle poétique et sa quête sonore singulière, le trompettiste américain Ambrose Akinmusire dévoilera deux facettes inédites de son univers artistique.
Présentation
Jeudi 19 février à 20h
Tout public. Durée estimée : 2h15
Carte blanche à Ambrose Akinmusire
AMBROSE AKINMUSIRE SOLO Beauty is Enough
Sur disque comme sur scène, Ambrose Akinmusire aime explorer des chemins très différents, pliant son écriture et son jeu à un impressionnant spectre de formats et de sons. Le simple historique de ses venues à Sons d’hiver en est un témoignage éclatant : en quintet en 2015 ; en grande formation en 2024, avec quatuor à cordes et vocaliste hip-hop pour le plantureux Origami Harvest ; en trio en 2024 pour Owl Song. Plus rares sont ses performances en solo, telles qu’immortalisées sur l’album Beauty is Enough en 2023, enregistré à Paris dans une église Saint-Eustache déserte. Un répertoire sublime que le trompettiste californien explore ce soir lors d’une prestation exceptionnelle.
AMBROSE AKINMUSIRE QUARTET
C’est avec la formation reine du quartet – accompagné par les fidèles Sam Harris, Harish Raghavan et Justin Brown – que le trompettiste Ambrose Akinmusire s’inscrit le plus ostensiblement dans les pas des géants du jazz.
Un enracinement dans l’histoire qui souligne d’autant mieux le talent si singulier du musicien à manier dans un même mouvement grammaire classique et vocabulaire personnel. Près de six ans après on the tender spot of every calloused moment, son dernier album en quartet, le trompettiste revient avec un répertoire inédit – possible matériel pour de nouvelles aventures discographiques – à découvrir en avant-première à Sons d’hiver.
Carte blanche à Ambrose Akinmusire
Festival Sons d'hiver : Connu pour son souffle poétique et sa quête sonore singulière, le trompettiste américain Ambrose Akinmusire dévoilera deux facettes inédites de son univers artistique.
Présentation
Jeudi 19 février à 20h
Tout public. Durée estimée : 2h15
Carte blanche à Ambrose Akinmusire
AMBROSE AKINMUSIRE SOLO Beauty is Enough
Sur disque comme sur scène, Ambrose Akinmusire aime explorer des chemins très différents, pliant son écriture et son jeu à un impressionnant spectre de formats et de sons. Le simple historique de ses venues à Sons d’hiver en est un témoignage éclatant : en quintet en 2015 ; en grande formation en 2024, avec quatuor à cordes et vocaliste hip-hop pour le plantureux Origami Harvest ; en trio en 2024 pour Owl Song. Plus rares sont ses performances en solo, telles qu’immortalisées sur l’album Beauty is Enough en 2023, enregistré à Paris dans une église Saint-Eustache déserte. Un répertoire sublime que le trompettiste californien explore ce soir lors d’une prestation exceptionnelle.
AMBROSE AKINMUSIRE QUARTET
C’est avec la formation reine du quartet – accompagné par les fidèles Sam Harris, Harish Raghavan et Justin Brown – que le trompettiste Ambrose Akinmusire s’inscrit le plus ostensiblement dans les pas des géants du jazz.
Un enracinement dans l’histoire qui souligne d’autant mieux le talent si singulier du musicien à manier dans un même mouvement grammaire classique et vocabulaire personnel. Près de six ans après on the tender spot of every calloused moment, son dernier album en quartet, le trompettiste revient avec un répertoire inédit – possible matériel pour de nouvelles aventures discographiques – à découvrir en avant-première à Sons d’hiver.
La presse en a parlé
La presse en a parlé
LE TÉLÉGRAMME Dans un décor minimaliste où l’espace est découpé par des lasers rouges, Xuan Le propose une rencontre parfois fusionnelle entre la street dance, le contemporain et le classique. Après un solo de danse sur patins où il semble être en apesanteur, le chorégraphe se lance dans un jeu de séduction-répulsion avec sa partenaire, danseuse classique, partageant des espaces dans une vertigineuse ambiance sonore et lumineuse. Ce magnifique moment de grâce trouve son aboutissement dans un rugissement d’incendie qui semble être l’athanor d’où surgiront deux nouveaux êtres enfin réunis.
Reflet
Reflet : spectacle hybride et métissé à la croisée de la danse contemporaine, du hip hop et des arts visuels.
Présentation
Jeudi 12 février à 20h30
Tout public à partir de 6 ans. Durée estimée : 55 minutes
Spectacle hybride et métissé à la croisée de la danse contemporaine, du hip hop et des arts visuels.
Reflet entraine le public dans un univers minimaliste et sensoriel. En apesanteur sur ses rollers, Xuan Le, champion de freestyle slalom, nous emporte dans un flux d’énergie intense et méditatif, nous interrogeant sur nos origines et sur la relation que nous tissons avec le mouvement dans la vie.
Le voyage se prolonge avec l’artiste Shihya Peng dans un duo qui questionne la dualité́ de l’être dans un langage poétique porté par la fragilité́ des corps qui se rencontrent.
Reflet
Reflet : spectacle hybride et métissé à la croisée de la danse contemporaine, du hip hop et des arts visuels.
Présentation
Jeudi 12 février à 20h30
Tout public à partir de 6 ans. Durée estimée : 55 minutes
Spectacle hybride et métissé à la croisée de la danse contemporaine, du hip hop et des arts visuels.
Reflet entraine le public dans un univers minimaliste et sensoriel. En apesanteur sur ses rollers, Xuan Le, champion de freestyle slalom, nous emporte dans un flux d’énergie intense et méditatif, nous interrogeant sur nos origines et sur la relation que nous tissons avec le mouvement dans la vie.
Le voyage se prolonge avec l’artiste Shihya Peng dans un duo qui questionne la dualité́ de l’être dans un langage poétique porté par la fragilité́ des corps qui se rencontrent.
La presse en a parlé
LE TÉLÉGRAMME Dans un décor minimaliste où l’espace est découpé par des lasers rouges, Xuan Le propose une rencontre parfois fusionnelle entre la street dance, le contemporain et le classique. Après un solo de danse sur patins où il semble être en apesanteur, le chorégraphe se lance dans un jeu de séduction-répulsion avec sa partenaire, danseuse classique, partageant des espaces dans une vertigineuse ambiance sonore et lumineuse. Ce magnifique moment de grâce trouve son aboutissement dans un rugissement d’incendie qui semble être l’athanor d’où surgiront deux nouveaux êtres enfin réunis.
La presse en a parlé
SCENEWEB S’appuyant sur des choix de mise en scène forts, Guillaume Barbot présente une version de Juste la fin du monde de Lagarce qui n’en est pas simplement une de plus. Travaillant à la fois la langue et le concret des situations, le metteur en scène et sa troupe font résonner le texte en de multiples dimensions.
TÉLÉRAMA C'est dans les face-à-face les plus directs que les interprètes laissent jaillir les tensions si bien cachées derrière les mots (...) Leurs ultimes confrontations sont bouleversantes.
THÉÂTRE ON LINE Guillaume Barbot signe une mise en scène extraordinaire du chef d'œuvre de Jean-Luc Lagarce et dirige des comédiens d'une justesse inouïe.
Juste la fin du monde
Il y a comme une simple évidence : l’amour et le temps, c’est lié. Ça va ensemble. Pour le meilleur et pour le pire. Juste la fin du monde est une pièce avec... …les quatre saisons d’une vie de famille.
Présentation
Mardi 10 février à 20h30
Tout public à partir de 14 ans. Durée estimée : 2h20
CRÉATION
D’après la pièce de théâtre de Jean-Luc Lagarce (avec l’autorisation des Solitaires Intempestifs)
« Ça parle d’amour. Ça ne parle que d’amour.
D’amour empêché, d’amour transpirant, d’amour qui se dit mal, d’amour en trop plein, d’amour qui frotte, qui blesse, qui flingue, d’amour secret, d’amour en berne, d’amour en suspens.
Et du temps.
Du temps qui passe, du temps qui laisse des empreintes, du temps que l’on hérite, du temps qui nous englue, du temps qui crée des creux, des absences, des héros, des souvenirs, des envies d’ailleurs.
Il y a comme une simple évidence : l’amour et le temps, c’est lié. Ça va ensemble. Pour le meilleur et pour le pire. Et s’il y a bien une chose qui m’obsède, spectacle après spectacle, c’est bien l’amour et le temps. » Guillaume Barbot
À lire, l'interview de Guillaume Barbot, parue dans le magazine de Nogent de janvier/février 2026
(pdf-298 Ko)
Juste la fin du monde
Il y a comme une simple évidence : l’amour et le temps, c’est lié. Ça va ensemble. Pour le meilleur et pour le pire. Juste la fin du monde est une pièce avec... …les quatre saisons d’une vie de famille.
Présentation
Mardi 10 février à 20h30
Tout public à partir de 14 ans. Durée estimée : 2h20
CRÉATION
D’après la pièce de théâtre de Jean-Luc Lagarce (avec l’autorisation des Solitaires Intempestifs)
« Ça parle d’amour. Ça ne parle que d’amour.
D’amour empêché, d’amour transpirant, d’amour qui se dit mal, d’amour en trop plein, d’amour qui frotte, qui blesse, qui flingue, d’amour secret, d’amour en berne, d’amour en suspens.
Et du temps.
Du temps qui passe, du temps qui laisse des empreintes, du temps que l’on hérite, du temps qui nous englue, du temps qui crée des creux, des absences, des héros, des souvenirs, des envies d’ailleurs.
Il y a comme une simple évidence : l’amour et le temps, c’est lié. Ça va ensemble. Pour le meilleur et pour le pire. Et s’il y a bien une chose qui m’obsède, spectacle après spectacle, c’est bien l’amour et le temps. » Guillaume Barbot
À lire, l'interview de Guillaume Barbot, parue dans le magazine de Nogent de janvier/février 2026 (pdf-298 Ko)
La presse en a parlé
SCENEWEB S’appuyant sur des choix de mise en scène forts, Guillaume Barbot présente une version de Juste la fin du monde de Lagarce qui n’en est pas simplement une de plus. Travaillant à la fois la langue et le concret des situations, le metteur en scène et sa troupe font résonner le texte en de multiples dimensions.
TÉLÉRAMA C'est dans les face-à-face les plus directs que les interprètes laissent jaillir les tensions si bien cachées derrière les mots (...) Leurs ultimes confrontations sont bouleversantes.
THÉÂTRE ON LINE Guillaume Barbot signe une mise en scène extraordinaire du chef d'œuvre de Jean-Luc Lagarce et dirige des comédiens d'une justesse inouïe.
La presse en a parlé
LA TERRASSE Au milieu d’un dispositif conçu comme une « installation-musée » faite d’une accumulation d’objets et de photographies évoquant les univers plastiques de Christian Boltanski et Jean Tinguely, le comédien raconte les 40 années de cavale du meurtrier.
LA PROVENCE Une performance d’acteur ! Un choc ! Une pépite théâtrale ! Une leçon de citoyenneté ! Un document pour l’Histoire ! Seul sur un plateau dépouillé agrémenté de photos placées au fond, Mikael Chirinian donne corps à la structure générale du roman d’Olivier Guez « La disparition de Josef Mengele »
L'ŒIL D'OLIVIER La théâtralisation est dans le rythme, les ruptures, les nuances et la distanciation. Mis en scène très intelligemment par Benoît Giros, le comédien (Mickaël Chirinian) réalise une grande performance d’acteur. Bravo !
REGARTS Ce spectacle est une réflexion sur l’impunité. Le résultat est glaçant.
La disparition de Josef Mengele
Avant d’être un monstre, Josef Mengele est un homme ordinaire. Ce spectacle prend le parti de suivre la fuite d’un monstre en racontant pas à pas la cavale d’un homme qui se cache.
Présentation
Jeudi 5 février à 20h30
Tout public à partir de 14 ans. Durée estimée : 65 minutes
« Toutes les deux ou trois générations, lorsque la mémoire s'étiole et que les derniers témoins des massacres précédents disparaissent, la raison s'éclipse et des hommes reviennent propager le mal. Méfiance, l'homme est une créature malléable, il faut se méfier des hommes. » Olivier Guez
1949 : Josef Mengele débarque à Buenos Aires. Caché sous une fausse identité, l'ancien médecin tortionnaire d'Auschwitz croit pouvoir s'inventer une nouvelle vie.
L'Argentine de Juan et Evita Perón est bienveillante, le monde entier veut oublier les crimes nazis. C'est l'errance de Josef Mengele en Amérique du Sud jusqu'à sa mort mystérieuse sur une plage du Brésil en 1979. Comment le médecin SS a-t-il pu passer entre les mailles du filet pendant trente ans et jouir d'une telle impunité ?
Adaptation de l'œuvre d'Olivier Guez, La disparition de Josef Mengele est le roman-vrai de sa cavale d'après-guerre, l'une des plus grandes chasses à l'homme de la fin du 20e siècle.
La disparition de Josef Mengele
Avant d’être un monstre, Josef Mengele est un homme ordinaire. Ce spectacle prend le parti de suivre la fuite d’un monstre en racontant pas à pas la cavale d’un homme qui se cache.
Présentation
Jeudi 5 février à 20h30
Tout public à partir de 14 ans. Durée estimée : 65 minutes
« Toutes les deux ou trois générations, lorsque la mémoire s'étiole et que les derniers témoins des massacres précédents disparaissent, la raison s'éclipse et des hommes reviennent propager le mal. Méfiance, l'homme est une créature malléable, il faut se méfier des hommes. » Olivier Guez
1949 : Josef Mengele débarque à Buenos Aires. Caché sous une fausse identité, l'ancien médecin tortionnaire d'Auschwitz croit pouvoir s'inventer une nouvelle vie.
L'Argentine de Juan et Evita Perón est bienveillante, le monde entier veut oublier les crimes nazis. C'est l'errance de Josef Mengele en Amérique du Sud jusqu'à sa mort mystérieuse sur une plage du Brésil en 1979. Comment le médecin SS a-t-il pu passer entre les mailles du filet pendant trente ans et jouir d'une telle impunité ?
Adaptation de l'œuvre d'Olivier Guez, La disparition de Josef Mengele est le roman-vrai de sa cavale d'après-guerre, l'une des plus grandes chasses à l'homme de la fin du 20e siècle.
La presse en a parlé
LA TERRASSE Au milieu d’un dispositif conçu comme une « installation-musée » faite d’une accumulation d’objets et de photographies évoquant les univers plastiques de Christian Boltanski et Jean Tinguely, le comédien raconte les 40 années de cavale du meurtrier.
LA PROVENCE Une performance d’acteur ! Un choc ! Une pépite théâtrale ! Une leçon de citoyenneté ! Un document pour l’Histoire ! Seul sur un plateau dépouillé agrémenté de photos placées au fond, Mikael Chirinian donne corps à la structure générale du roman d’Olivier Guez « La disparition de Josef Mengele »
L'ŒIL D'OLIVIER La théâtralisation est dans le rythme, les ruptures, les nuances et la distanciation. Mis en scène très intelligemment par Benoît Giros, le comédien (Mickaël Chirinian) réalise une grande performance d’acteur. Bravo !
REGARTS Ce spectacle est une réflexion sur l’impunité. Le résultat est glaçant.
Nü
Nü est une exploration musicale autour des rituels de l'habillement, pour les tout-petits et ceux qui les accompagnent.
Présentation
Samedi 31 janvier 2026 à 10h30 et 16h30. Durée estimée : 35 minutes
Tout public à partir de 1 an.
Nü est un vrai concert pour les tout-petits.
On y tisse les mots, on y raconte nos habits sur la peau : comment on peut bouger, ou non, dans des vêtements que l’on n’a pas choisis, comment on a grandi, mais aussi ce que c'est d'être nu, tout nu !
Vous êtes bien installés, tout autour de la scène, le concert peut commencer !
Voix et corps, banjo, sax, cajón et musique électro, racontent les vêtements, ceux qui grattent et ceux qui caressent, ceux qui disent qu'on a grandi, que le temps a filé, que la saison a changé. On chante la peau, la nôtre et celle des animaux, écailles, poils et pics, cornes, fourrure, cuir et plumes, on danse nos habits, les trop grands et les trop petits !
Nü est une exploration musicale autour des rituels de l'habillement, pour les tout-petits et ceux qui les accompagnent.
Nü
Nü est une exploration musicale autour des rituels de l'habillement, pour les tout-petits et ceux qui les accompagnent.
Présentation
Samedi 31 janvier 2026 à 10h30 et 16h30. Durée estimée : 35 minutes
Tout public à partir de 1 an.
Nü est un vrai concert pour les tout-petits.
On y tisse les mots, on y raconte nos habits sur la peau : comment on peut bouger, ou non, dans des vêtements que l’on n’a pas choisis, comment on a grandi, mais aussi ce que c'est d'être nu, tout nu !
Vous êtes bien installés, tout autour de la scène, le concert peut commencer !
Voix et corps, banjo, sax, cajón et musique électro, racontent les vêtements, ceux qui grattent et ceux qui caressent, ceux qui disent qu'on a grandi, que le temps a filé, que la saison a changé. On chante la peau, la nôtre et celle des animaux, écailles, poils et pics, cornes, fourrure, cuir et plumes, on danse nos habits, les trop grands et les trop petits !
Nü est une exploration musicale autour des rituels de l'habillement, pour les tout-petits et ceux qui les accompagnent.
La presse en a parlé
Étonnez vos oreilles > Compléments d’objets
Étonnez vos oreilles ! Compléments d'objets, une proposition musicale avec l’ensemble instrumental L’Instant Donné.
Présentation
Dimanche 25 janvier 2026
Tout public à partir de 6 ans. Durée estimée : 2h
Le concert à 16h / L’atelier à 17h15
Compléments d'objets
L'Instant Donné
« La musique, c’est du bruit qui pense » écrivait Victor Hugo. Il n’existe pourtant aucune différence physique entre un son et un bruit. La distinction entre les deux réside uniquement dans la manière dont chacun est perçu. Dès lors, à quel moment le bruit devient-il musique ? Et l’objet qui produit ce bruit devient-il un instrument ? Pour répondre à ces questions, il serait possible de dire que la musique naît dans l’oreille de celui qui l’écoute tout comme l’instrument se révèle dans la main experte de celui qui en joue.
Ce concert proposé par l'Instant Donné est une invitation musicale étonnante, faite du son des objets. Ainsi, un clavier de verres est utilisé pour jouer une mélodie de Chick Correa, une table devient le support de Musiques de table, une pièce spectaculaire de Thierry de Mey. Des bouteilles de coca-cola sous pression deviennent un clavier résonnant aux sons cristallins, une machine à écrire côtoie des gobelets, des bouts de bois répètent une musique minimaliste envoûtante, des tuyaux d'échafaudage résonnent dans une mélodie d'inspiration asiatique.
L'atelier
À l’issue du concert, les musicien·ne·s de l'Instant Donné initient le public à la production de sons à partir d'objets acoustiques simples : bouteilles en plastique accordées par variations de pression d’air, résonateurs improvisés et percussions sur matériaux détournés. Une exploration ludique des phénomènes sonores.
PROGRAMME
Meredith Monk (USA, 1943)
Prologue (1973) 2’30
version pour un verre
Railroad Travel Song (1981) 3’
version pour bouteilles en plastique
Chick Corea (USA, 1941-2021)
Crystal Silence (1973) 4’
pour clavier de verres
Lou Harrison (USA , 1917-2003)
Solo to Anthony Cirone (1972) 5’
pour tubes en aluminium
Thierry De Mey (Belgique, 1956)
Musique de tables (1987) 7’30
pour 3 interprètes
Steve Reich (USA, 1936)
Music for Pieces of Wood (1973) 10’
version pour 4 interprètes et un métronome
Typing music (1992) 3'
Saori Furukawa (Japon, 1977)
Arrangements libres d’après Kaboom percussion
Richard Wagner (Allemagne, 1813-1883)
Lohengrin Ouverture – extrait (1845-48) 5’
pour verres à pied
Étonnez vos oreilles > Compléments d’objets
Étonnez vos oreilles ! Compléments d'objets, une proposition musicale avec l’ensemble instrumental L’Instant Donné.
Présentation
Dimanche 25 janvier 2026
Tout public à partir de 6 ans. Durée estimée : 2h
Le concert à 16h / L’atelier à 17h15
Compléments d'objets
L'Instant Donné
« La musique, c’est du bruit qui pense » écrivait Victor Hugo. Il n’existe pourtant aucune différence physique entre un son et un bruit. La distinction entre les deux réside uniquement dans la manière dont chacun est perçu. Dès lors, à quel moment le bruit devient-il musique ? Et l’objet qui produit ce bruit devient-il un instrument ? Pour répondre à ces questions, il serait possible de dire que la musique naît dans l’oreille de celui qui l’écoute tout comme l’instrument se révèle dans la main experte de celui qui en joue.
Ce concert proposé par l'Instant Donné est une invitation musicale étonnante, faite du son des objets. Ainsi, un clavier de verres est utilisé pour jouer une mélodie de Chick Correa, une table devient le support de Musiques de table, une pièce spectaculaire de Thierry de Mey. Des bouteilles de coca-cola sous pression deviennent un clavier résonnant aux sons cristallins, une machine à écrire côtoie des gobelets, des bouts de bois répètent une musique minimaliste envoûtante, des tuyaux d'échafaudage résonnent dans une mélodie d'inspiration asiatique.
L'atelier
À l’issue du concert, les musicien·ne·s de l'Instant Donné initient le public à la production de sons à partir d'objets acoustiques simples : bouteilles en plastique accordées par variations de pression d’air, résonateurs improvisés et percussions sur matériaux détournés. Une exploration ludique des phénomènes sonores.
PROGRAMME
Meredith Monk (USA, 1943)
Prologue (1973) 2’30
version pour un verre
Railroad Travel Song (1981) 3’
version pour bouteilles en plastique
Chick Corea (USA, 1941-2021)
Crystal Silence (1973) 4’
pour clavier de verres
Lou Harrison (USA , 1917-2003)
Solo to Anthony Cirone (1972) 5’
pour tubes en aluminium
Thierry De Mey (Belgique, 1956)
Musique de tables (1987) 7’30
pour 3 interprètes
Steve Reich (USA, 1936)
Music for Pieces of Wood (1973) 10’
version pour 4 interprètes et un métronome
Typing music (1992) 3'
Saori Furukawa (Japon, 1977)
Arrangements libres d’après Kaboom percussion
Richard Wagner (Allemagne, 1813-1883)
Lohengrin Ouverture – extrait (1845-48) 5’
pour verres à pied
La presse en a parlé
La presse en a parlé
TÉLÉRAMA Jeunesse trop vite passée, couple de travers, mélancolie insistante, jeux amoureux un peu cruels... Grand Piano touche dans le mille avec une grâce épatante qui n'a rien à voir avec la magie de la création et tout avec un perfectionnisme qu'il partage volontiers. (...) Les surprises mélodiques affluent. les mots se précisent, la retenue reste de mise. Entre émotion, humour et maturité, un album addictif et splendide.
LIBÉRATION L'auteur-compositeur de retour avec Grand Piano, disque mélancolique, sensuel et minutieux, raconte son angoisse de figer ses chansons et les différentes manières d'exprimer un même sentiment.
LE FIGARO Les chansons ciselées témoignent de l'amour des mots de l'auteur, qui les met tout entier au service de son groove unique. Beaucoup de grâce et de moments aérien sur ce disque traversé par un souffle ludique et joyeux.
LES INROCKUPTIBLES Fêtant ses trente ans de carrière, le chanteur hirsute nous fait replonger avec un réel plaisir dans son intimité.
Mathieu Boogaerts
Mathieu Boogaerts de retour avec Grand Piano, disque mélancolique, sensuel et minutieux.
Présentation
Vendredi 23 janvier à 20h30
Tout public. Durée estimée : 1h40
Attention Mathieu Boogaerts et son tout nouveau groupe Le Grand Piano passeront prochainement par ici pour fêter avec nous comme il se doit la sortie de... Grand Piano, le neuvième album de l'artiste.
Ils proposeront, basse, batterie, clavier, chœurs, guitares et surprises, une réjouissante sélection d'anciennes et nouvelles chansons, dans des versions lumineuses et hautes en couleurs.
Mathieu Boogaerts
Mathieu Boogaerts de retour avec Grand Piano, disque mélancolique, sensuel et minutieux.
Présentation
Vendredi 23 janvier à 20h30
Tout public. Durée estimée : 1h40
Attention Mathieu Boogaerts et son tout nouveau groupe Le Grand Piano passeront prochainement par ici pour fêter avec nous comme il se doit la sortie de... Grand Piano, le neuvième album de l'artiste.
Ils proposeront, basse, batterie, clavier, chœurs, guitares et surprises, une réjouissante sélection d'anciennes et nouvelles chansons, dans des versions lumineuses et hautes en couleurs.
La presse en a parlé
TÉLÉRAMA Jeunesse trop vite passée, couple de travers, mélancolie insistante, jeux amoureux un peu cruels... Grand Piano touche dans le mille avec une grâce épatante qui n'a rien à voir avec la magie de la création et tout avec un perfectionnisme qu'il partage volontiers. (...) Les surprises mélodiques affluent. les mots se précisent, la retenue reste de mise. Entre émotion, humour et maturité, un album addictif et splendide.
LIBÉRATION L'auteur-compositeur de retour avec Grand Piano, disque mélancolique, sensuel et minutieux, raconte son angoisse de figer ses chansons et les différentes manières d'exprimer un même sentiment.
LE FIGARO Les chansons ciselées témoignent de l'amour des mots de l'auteur, qui les met tout entier au service de son groove unique. Beaucoup de grâce et de moments aérien sur ce disque traversé par un souffle ludique et joyeux.
LES INROCKUPTIBLES Fêtant ses trente ans de carrière, le chanteur hirsute nous fait replonger avec un réel plaisir dans son intimité.
La presse en a parlé
TÉLÉRAMA Ils alertent aussi et incitent à la solidarité et à la fraternité pour dépasser nos tragédies présentes et à venir. Qui dit mieux ?
L'ŒIL D'OLIVIER Le texte de David Paquet est intelligent, la drôlerie souligne toute l’émotion véhiculée par les nombreux thèmes abordés.
LA TERRASSE On rit de bonne grâce aux facéties et aux clowneries qui s’enchaînent. On est saisi, aussi, par les fausses évidences qui s’écroulent et les dilemmes qui les remplacent. Tout cela est efficace, intelligent et nous vient du Québec.
ARTS-CHIPELS Cette pièce pleine d’un humour aussi rageur, ravageur que caustique est une réjouissante leçon de vie sur le refrain de « y a-t-il un moyen de s’en sortir quand le monde s’effondre autour de nous ?»
LA MANIE DU THÉÂTRE Le Poids des Fourmis est une pièce percutante, déjantée et exubérante qui par son humour mordant et sa critique incisive, résonne profondément avec notre époque.
Le poids des fourmis
À la fois satire politique hallucinée et radiographie de nos angoisses collectives, Le poids des fourmis jongle avec des questions de résistance citoyenne et d’abus de pouvoir.
Présentation
Mardi 13 janvier à 14h30 (séance scolaire*) et à 20h30
Tout public à partir de 13 ans. Durée estimée : 75 minutes
« Croire que je peux changer le monde me donne envie d’en faire partie »
L’état du monde pèse lourd sur Jeanne et Olivier.
Elle vandalise des pubs. Il rêve qu’on brûle sa génération comme une guimauve. Voilà qu’une élection scolaire est organisée dans le cadre de la -honteusement sous-financée- Semaine du futur. Catalysés par l’espoir qu’ils pourront changer les choses, tous deux s’affrontent dans une campagne électorale menée sur fond de discours enflammés, d’expéditions ninjas, de collusion.
À la fois satire politique hallucinée et radiographie de nos angoisses collectives, Le poids des fourmis jongle avec des questions de résistance citoyenne et d’abus de pouvoir. Aussi exubérante que caustique, la pièce invite le spectateur à réfléchir au poids qu’il porte, mais surtout, à celui qu’il possède face au monde.
*Pour les séances scolaires, les tarifs C s'appliquent : 12€ plein tarif, 8€ pour les moins de 26 ans (+ 1€ de frais pour les e-billets).
Le poids des fourmis
À la fois satire politique hallucinée et radiographie de nos angoisses collectives, Le poids des fourmis jongle avec des questions de résistance citoyenne et d’abus de pouvoir.
Présentation
Mardi 13 janvier à 14h30 (séance scolaire*) et à 20h30
Tout public à partir de 13 ans. Durée estimée : 75 minutes
« Croire que je peux changer le monde me donne envie d’en faire partie »
L’état du monde pèse lourd sur Jeanne et Olivier.
Elle vandalise des pubs. Il rêve qu’on brûle sa génération comme une guimauve. Voilà qu’une élection scolaire est organisée dans le cadre de la -honteusement sous-financée- Semaine du futur. Catalysés par l’espoir qu’ils pourront changer les choses, tous deux s’affrontent dans une campagne électorale menée sur fond de discours enflammés, d’expéditions ninjas, de collusion.
À la fois satire politique hallucinée et radiographie de nos angoisses collectives, Le poids des fourmis jongle avec des questions de résistance citoyenne et d’abus de pouvoir. Aussi exubérante que caustique, la pièce invite le spectateur à réfléchir au poids qu’il porte, mais surtout, à celui qu’il possède face au monde.
*Pour les séances scolaires, les tarifs C s'appliquent : 12€ plein tarif, 8€ pour les moins de 26 ans (+ 1€ de frais pour les e-billets).
La presse en a parlé
TÉLÉRAMA Ils alertent aussi et incitent à la solidarité et à la fraternité pour dépasser nos tragédies présentes et à venir. Qui dit mieux ?
L'ŒIL D'OLIVIER Le texte de David Paquet est intelligent, la drôlerie souligne toute l’émotion véhiculée par les nombreux thèmes abordés.
LA TERRASSE On rit de bonne grâce aux facéties et aux clowneries qui s’enchaînent. On est saisi, aussi, par les fausses évidences qui s’écroulent et les dilemmes qui les remplacent. Tout cela est efficace, intelligent et nous vient du Québec.
ARTS-CHIPELS Cette pièce pleine d’un humour aussi rageur, ravageur que caustique est une réjouissante leçon de vie sur le refrain de « y a-t-il un moyen de s’en sortir quand le monde s’effondre autour de nous ?»
LA MANIE DU THÉÂTRE Le Poids des Fourmis est une pièce percutante, déjantée et exubérante qui par son humour mordant et sa critique incisive, résonne profondément avec notre époque.
Légendes
Le Dragon d’or & Le Pêcheur au fond de la tasse à thé, deux contes lyriques du Vietnam de Olivier Dhénin Hữu.
Présentation
Mardi 16 décembre à 20h30
Tout public à partir de 10 ans. Durée estimée : 1h40, avec entracte
Le dragon d’or et Le pêcheur au fond de la tasse à thé sont de célèbres légendes vietnamiennes qu’Olivier Dhénin Hữu a intégrées au livret d’opéra Paysage dans l’oubli. Présentés en diptyque, les contes lyriques dévoilent le merveilleux vietnamien millénaire au travers de scènes enchantées.
Au cœur de ces histoires se côtoient les questions existentielles de la filiation, de l’altérité, de la mémoire, de l’amour. Les légendes ont toujours une part de vérité et la transmission effectuée par la poésie et l’art nous permettent de les redécouvrir et ici de rappeler et questionner notre lien avec l’Extrême-Orient.
Le poème dramatique entremêle texte, chant et sonorité merveilleuse, créant une nouvelle forme d’opéra, tant imprégnée d’Orient que d’Occident, pour raconter ces contes retrouvés.
Olivier Dhénin Hữu de Winterreise Compagnie Théâtre est artiste associé au Théâtre Antoine Watteau pour la saison 2025/2026.
Lire l'article paru sur LÉGENDES et Olivier Dhénin Hữu dans le Nogent mag 161 de novembre/décembre 2025
(pdf - 289 Ko)
Légendes
Le Dragon d’or & Le Pêcheur au fond de la tasse à thé, deux contes lyriques du Vietnam de Olivier Dhénin Hữu.
Présentation
Mardi 16 décembre à 20h30
Tout public à partir de 10 ans. Durée estimée : 1h40, avec entracte
Le dragon d’or et Le pêcheur au fond de la tasse à thé sont de célèbres légendes vietnamiennes qu’Olivier Dhénin Hữu a intégrées au livret d’opéra Paysage dans l’oubli. Présentés en diptyque, les contes lyriques dévoilent le merveilleux vietnamien millénaire au travers de scènes enchantées.
Au cœur de ces histoires se côtoient les questions existentielles de la filiation, de l’altérité, de la mémoire, de l’amour. Les légendes ont toujours une part de vérité et la transmission effectuée par la poésie et l’art nous permettent de les redécouvrir et ici de rappeler et questionner notre lien avec l’Extrême-Orient.
Le poème dramatique entremêle texte, chant et sonorité merveilleuse, créant une nouvelle forme d’opéra, tant imprégnée d’Orient que d’Occident, pour raconter ces contes retrouvés.
Olivier Dhénin Hữu de Winterreise Compagnie Théâtre est artiste associé au Théâtre Antoine Watteau pour la saison 2025/2026.
Lire l'article paru sur LÉGENDES et Olivier Dhénin Hữu dans le Nogent mag 161 de novembre/décembre 2025 (pdf - 289 Ko)
La presse en a parlé
Étonnez vos oreilles > Next Station
Étonnez vos oreilles ! avec le Quatuor Meraki et son concert "entre deux notes" Next Station.
Présentation
Dimanche 14 décembre 2025
Tout public à partir de 6 ans. Durée estimée : 2h
Le concert à 16h / L’atelier à 17h15
Next Station
Quatuor Meraki
Et si on laissait chaises, pupitres et partitions pour faire de la musique autrement ?
Les 4 musiciennes du Quatuor Meraki nous embarquent pour un voyage fait de rencontres et de petites bulles de vie, à travers la joie et la peur de l’inconnu, les douces chamailleries et la réconciliation, les haltes joyeuses et les moments d’humour.
Une histoire d’amitié, qui se raconte sans mots mais dans une langue universelle : la musique.
Une façon ludique de découvrir quelques belles pages du répertoire classique, de Bartok à Griffes, Villa Lobos, Slavenski, Debussy, Strauss, Glazunov… pour toute la famille.
L'ATELIER
Après le concert, plongez dans l'univers des instruments à cordes de la main des musiciennes du quatuor et d'une luthière qui partagera avec le public les secrets de la fabrication d'un violon.
Étonnez vos oreilles > Next Station
Étonnez vos oreilles ! avec le Quatuor Meraki et son concert "entre deux notes" Next Station.
Présentation
Dimanche 14 décembre 2025
Tout public à partir de 6 ans. Durée estimée : 2h
Le concert à 16h / L’atelier à 17h15
Next Station
Quatuor Meraki
Et si on laissait chaises, pupitres et partitions pour faire de la musique autrement ?
Les 4 musiciennes du Quatuor Meraki nous embarquent pour un voyage fait de rencontres et de petites bulles de vie, à travers la joie et la peur de l’inconnu, les douces chamailleries et la réconciliation, les haltes joyeuses et les moments d’humour.
Une histoire d’amitié, qui se raconte sans mots mais dans une langue universelle : la musique.
Une façon ludique de découvrir quelques belles pages du répertoire classique, de Bartok à Griffes, Villa Lobos, Slavenski, Debussy, Strauss, Glazunov… pour toute la famille.
L'ATELIER
Après le concert, plongez dans l'univers des instruments à cordes de la main des musiciennes du quatuor et d'une luthière qui partagera avec le public les secrets de la fabrication d'un violon.
La presse en a parlé
Caravane Gazelle
Une comédienne et le quintette à vent ArteCombo, aussi à l’aise dans l’action que sur leurs instruments, donnent vie à cette histoire parlant de différence, d’amour, de passion, de la difficulté d’aimer et de choisir sa vie.
Présentation
Vendredi 12 décembre 2025 à 10h et à 14h30 (séances scolaires ouvertes au public).
Samedi 13 décembre 2025 à 16h.
Durée estimée : 50 minutes
Tout public à partir de 5 ans.
Une gazelle blessée croise en plein désert la route d'une caravane à l'arrêt pour la nuit. Puisqu'il faut -pour un temps- ralentir, autant caler son pas sur celui des hommes et des bêtes de somme ! La caravane s'ébranle, augmentée d'une drôle de bête qui va égayer et attendrir l'équipée, à commencer par le plus sage des chameaux. Une nouvelle harmonie et une douce complicité se créent entre gazelle, hommes et chameaux. Jusqu’au jour où, à l’approche des premières habitations, le bel animal redevient gibier. Le temps serait-il venu de se séparer ?
Une comédienne et le quintette à vent ArteCombo, aussi à l’aise dans l’action que sur leurs instruments, donnent vie à cette histoire parlant de différence, d’amour, de passion, de la difficulté d’aimer et de choisir sa vie.
Caravane Gazelle
Une comédienne et le quintette à vent ArteCombo, aussi à l’aise dans l’action que sur leurs instruments, donnent vie à cette histoire parlant de différence, d’amour, de passion, de la difficulté d’aimer et de choisir sa vie.
Présentation
Vendredi 12 décembre 2025 à 10h et à 14h30 (séances scolaires ouvertes au public).
Samedi 13 décembre 2025 à 16h.
Durée estimée : 50 minutes
Tout public à partir de 5 ans.
Une gazelle blessée croise en plein désert la route d'une caravane à l'arrêt pour la nuit. Puisqu'il faut -pour un temps- ralentir, autant caler son pas sur celui des hommes et des bêtes de somme ! La caravane s'ébranle, augmentée d'une drôle de bête qui va égayer et attendrir l'équipée, à commencer par le plus sage des chameaux. Une nouvelle harmonie et une douce complicité se créent entre gazelle, hommes et chameaux. Jusqu’au jour où, à l’approche des premières habitations, le bel animal redevient gibier. Le temps serait-il venu de se séparer ?
Une comédienne et le quintette à vent ArteCombo, aussi à l’aise dans l’action que sur leurs instruments, donnent vie à cette histoire parlant de différence, d’amour, de passion, de la difficulté d’aimer et de choisir sa vie.
La presse en a parlé
La presse en a parlé
LIBÉRATION Le rythme ralentit, le débit s’étire, le souffle syncope le propos. Même en pleine ascension, André Manoukian est intarissable : les origines du blues, le travail des gammes, l’éthio-jazz, les Yorubas…
LE PARISIEN Excellent vulgarisateur et érudit. C'est passionnant de l'entendre nous raconter l'histoire de la musique à sa sauce, où « tout est presque vrai ». Ce qu'il fait de mieux, c'est décrypter. Expliquer pourquoi elles ont ce pouvoir de nous émouvoir, ces notes. Pourquoi lui-même « transpire de la moustache » (son expression préférée) dès qu'une chanteuse lui chante « Fever » en claquant des doigts à contretemps. (...) Ça fourmille d'anecdotes et d'humour.
AU BALCON Assis au piano, André Manoukian nous propose un parcours érudit et déjanté dans l’histoire de la musique. Il nous explique pourquoi certaines notes nous tirent des larmes, quand d’autres nous angoissent ou nous rendent idiots d’amour.
Il nous fait partager la magie de la création musicale.
André Manoukian
Le seul en scène d'André Manoukian : une histoire de la musique telle que vous ne l’avez jamais entendue !
Présentation
Vendredi 28 novembre à 20h30
Tout public à partir de 12 ans. Durée estimée : 1h45
- Savez-vous que le premier microsillon a été inventé dans une pyramide égyptienne ?
- Pourquoi les chanteurs à la voix aigüe affolent les filles ?
- L'expression ''Con comme un ténor" est-elle justifiée par les lois de l'acoustique ?
- Comment l'exécution de Robespierre a-t-elle déclenché la naissance du Jazz ?
André Manoukian, seul au piano, apporte des réponses à ces questions fondamentales.
Il dévoile les secrets des grands compositeurs, et montre comment exprimer ses sentiments en musique.
À travers son parcours amoureux semé de muses, de sirènes et de catastrophes, convoquant tour à tour Pythagore ou Claude François, il raconte avec son érudition déjantée une histoire de la musique comme vous ne l'avez jamais entendue.
Vous n’écouterez plus jamais Sheila de la même manière !
André Manoukian
Le seul en scène d'André Manoukian : une histoire de la musique telle que vous ne l’avez jamais entendue !
Présentation
Vendredi 28 novembre à 20h30
Tout public à partir de 12 ans. Durée estimée : 1h45
- Savez-vous que le premier microsillon a été inventé dans une pyramide égyptienne ?
- Pourquoi les chanteurs à la voix aigüe affolent les filles ?
- L'expression ''Con comme un ténor" est-elle justifiée par les lois de l'acoustique ?
- Comment l'exécution de Robespierre a-t-elle déclenché la naissance du Jazz ?
André Manoukian, seul au piano, apporte des réponses à ces questions fondamentales.
Il dévoile les secrets des grands compositeurs, et montre comment exprimer ses sentiments en musique.
À travers son parcours amoureux semé de muses, de sirènes et de catastrophes, convoquant tour à tour Pythagore ou Claude François, il raconte avec son érudition déjantée une histoire de la musique comme vous ne l'avez jamais entendue.
Vous n’écouterez plus jamais Sheila de la même manière !
La presse en a parlé
LIBÉRATION Le rythme ralentit, le débit s’étire, le souffle syncope le propos. Même en pleine ascension, André Manoukian est intarissable : les origines du blues, le travail des gammes, l’éthio-jazz, les Yorubas…
LE PARISIEN Excellent vulgarisateur et érudit. C'est passionnant de l'entendre nous raconter l'histoire de la musique à sa sauce, où « tout est presque vrai ». Ce qu'il fait de mieux, c'est décrypter. Expliquer pourquoi elles ont ce pouvoir de nous émouvoir, ces notes. Pourquoi lui-même « transpire de la moustache » (son expression préférée) dès qu'une chanteuse lui chante « Fever » en claquant des doigts à contretemps. (...) Ça fourmille d'anecdotes et d'humour.
AU BALCON Assis au piano, André Manoukian nous propose un parcours érudit et déjanté dans l’histoire de la musique. Il nous explique pourquoi certaines notes nous tirent des larmes, quand d’autres nous angoissent ou nous rendent idiots d’amour.
Il nous fait partager la magie de la création musicale.
Sfumato ! La Joconde dévoilée
Pour sa première création, Sfumato ! La Joconde dévoilée, la compagnie La Divine Comédie a choisi de mélanger trois thèmes qui lui sont chers et qui l'interrogent sans cesse : les Hommes (la comédie humaine), les Arts et la Science.
Présentation
Samedi 22 novembre 2025 à 20h30
Tout public - Durée : 1h45
LA SCÈNE AUX NOGENTAIS
1503
Léonard de Vinci accueille dans son atelier une jeune femme dont il doit peindre le portrait.
Novice dans l'art de prendre la pose, la jeune femme se retrouve projetée dans la vie et les remous d'un atelier en compagnie du Maître et de ses apprentis. Mais sa présence électrise les relations et la situation est en passe de devenir incontrôlable.
Entre ferveur créatrice, quiproquos et jalousies, la naissance de l’œuvre la plus célèbre de l'Histoire de l'Art.
Un spectacle documenté, bondissant et poétique qui invite le spectateur à une immersion dans l'atelier de Léonard de Vinci où il va assister à l'une des plus grandes réalisations de l'Histoire de l'Art !
Sfumato ! La Joconde dévoilée
Pour sa première création, Sfumato ! La Joconde dévoilée, la compagnie La Divine Comédie a choisi de mélanger trois thèmes qui lui sont chers et qui l'interrogent sans cesse : les Hommes (la comédie humaine), les Arts et la Science.
Présentation
Samedi 22 novembre 2025 à 20h30
Tout public - Durée : 1h45
LA SCÈNE AUX NOGENTAIS
1503
Léonard de Vinci accueille dans son atelier une jeune femme dont il doit peindre le portrait.
Novice dans l'art de prendre la pose, la jeune femme se retrouve projetée dans la vie et les remous d'un atelier en compagnie du Maître et de ses apprentis. Mais sa présence électrise les relations et la situation est en passe de devenir incontrôlable.
Entre ferveur créatrice, quiproquos et jalousies, la naissance de l’œuvre la plus célèbre de l'Histoire de l'Art.
Un spectacle documenté, bondissant et poétique qui invite le spectateur à une immersion dans l'atelier de Léonard de Vinci où il va assister à l'une des plus grandes réalisations de l'Histoire de l'Art !
La presse en a parlé
La maison du docteur
1 œuvre originale pour célébrer le 150e anniversaire de la disparition de Georges Bizet.
Présentation
Vendredi 21 novembre 2025 à 20h30
Tout public - Durée 1h
CRÉATION
Célébrons le 150e anniversaire de la disparition de Georges Bizet.
Une œuvre de jeunesse, écrite à 17 ans par le futur compositeur de la mythique Carmen.
LA MAISON DU DOCTEUR
L’œuvre conte les amours de la jeune Eva, fille du vieux Docteur Job inventeur d’un poison puissant qui attire les personnes dépressives souhaitant passer de vie à trépas, comme Toby, un tout jeune homme sans réel avenir et Lord Harley, richissime noble splénétique. Eva souhaite épouser Toby, au grand dam de son père qui lui préfère pour gendre Lord Harley...
Lire l'interview d'Emilie Postel-Vinay, parue dans le Nogent mag 161 de novembre-décembre 2025
(pdf- 312 Ko )
La maison du docteur
1 œuvre originale pour célébrer le 150e anniversaire de la disparition de Georges Bizet.
Présentation
Vendredi 21 novembre 2025 à 20h30
Tout public - Durée 1h
CRÉATION
Célébrons le 150e anniversaire de la disparition de Georges Bizet.
Une œuvre de jeunesse, écrite à 17 ans par le futur compositeur de la mythique Carmen.
LA MAISON DU DOCTEUR
L’œuvre conte les amours de la jeune Eva, fille du vieux Docteur Job inventeur d’un poison puissant qui attire les personnes dépressives souhaitant passer de vie à trépas, comme Toby, un tout jeune homme sans réel avenir et Lord Harley, richissime noble splénétique. Eva souhaite épouser Toby, au grand dam de son père qui lui préfère pour gendre Lord Harley...
Lire l'interview d'Emilie Postel-Vinay, parue dans le Nogent mag 161 de novembre-décembre 2025 (pdf- 312 Ko )
La presse en a parlé
La presse en a parlé
PARIS MÔMES Il est beau le Boléro. Parce que la musique de Ravel est irrésistible, on file voir ce duo.
DANSER CANAL HISTORIQUE Ravel lui-même, dans sa tombe, devrait s’en retourner… de joie.
BOLÉRO
Œuvre de pulsion, Boléro se joue des mélodies, du rythme, du tempo, de la danse contemporaine. Une adaptation signée par la Cie DK59.
Présentation
Mardi 18 novembre à 10h (et 14h30 > complet)
Tout public à partir de 5 ans.
Œuvre de pulsion, Boléro se joue des mélodies, du rythme, du tempo, de la danse contemporaine.
Le Boléro de Ravel est l’œuvre musicale la plus jouée au monde, la plus populaire, la plus présente dans l’inconscient collectif.
Gilles Verièpe (Cie DK59) compose dans ce spectacle une chorégraphie ludique pleine de surprises, faite de mouvements et de ruptures. Il explore le geste du jeu de l’enfance, libérateur, joyeux et léger.
Il mêle les genres de danse et puise dans les gestes du quotidien. La spontanéité et la pulsion de vie dominent. Et le duo nous prend à revers, se jouant de la mélodie, du tempo et même de la danse, rien que pour le plaisir !
BOLÉRO
Œuvre de pulsion, Boléro se joue des mélodies, du rythme, du tempo, de la danse contemporaine. Une adaptation signée par la Cie DK59.
Présentation
Mardi 18 novembre à 10h (et 14h30 > complet)
Tout public à partir de 5 ans.
Œuvre de pulsion, Boléro se joue des mélodies, du rythme, du tempo, de la danse contemporaine.
Le Boléro de Ravel est l’œuvre musicale la plus jouée au monde, la plus populaire, la plus présente dans l’inconscient collectif.
Gilles Verièpe (Cie DK59) compose dans ce spectacle une chorégraphie ludique pleine de surprises, faite de mouvements et de ruptures. Il explore le geste du jeu de l’enfance, libérateur, joyeux et léger.
Il mêle les genres de danse et puise dans les gestes du quotidien. La spontanéité et la pulsion de vie dominent. Et le duo nous prend à revers, se jouant de la mélodie, du tempo et même de la danse, rien que pour le plaisir !
La presse en a parlé
PARIS MÔMES Il est beau le Boléro. Parce que la musique de Ravel est irrésistible, on file voir ce duo.
DANSER CANAL HISTORIQUE Ravel lui-même, dans sa tombe, devrait s’en retourner… de joie.
La presse en a parlé
LA TERRASSE Avec cette création, Christian et François Ben Aïm plongent dix interprètes dans des états de corps en forme de réponse collective au chaos du monde.
LE MONDE On retrouve, dans Tendre colère, le plaisir de l’écriture tournoyante des frères Ben Aïm. Il y a toujours chez eux un léger vertige qui en-traîne dans une valse sans cesse revisitée, à l’endroit et à l’envers. Les bras s’envolent et le reste du corps s’enroule dans une spirale d’énergie.
TÉLÉRAMA Entre écriture contemporaine et réminiscences de danses traditionnelles, Tendre colère entend rendre hommage à ce qui fonde l'humain et rassemble une communauté.
L'HUMANITÉ De beaux portés proposent des vacillements, suivis de brusques dégagements. Hommes et femmes sont remis aussitôt sur pied, dans un abandon confiant à l’autre, sans distinction de genre.
LES ÉCHOS Une réflexion sur le sens du collectif dans un monde troublé.
TENDRE COLÈRE
Manifeste utopique, remède à la mélancolie, pied de nez à la folie du monde : Tendre colère tient toutes les promesses de son titre.
Présentation
Samedi 15 novembre à 20h30
Tout public à partir de 8 ans. Durée estimée : 65 minutes
Qu’est-ce qui est tendre, joyeux, mélancolique, bouleversant, paradoxal et magnifique ? Tout simplement l’humanité dansée des interprètes réunis par Christian et François Ben Aïm, emportés dans une traversée de mouvements infinis et une tempête d’émotions inoubliables.
Manifeste utopique, remède à la mélancolie, pied de nez à la folie du monde : Tendre colère tient toutes les promesses de son titre. Pièce animale pleine de tendresse, d’ivresse et de fureur, elle fédère comme rarement une dizaine de danseurs, animés par la même énergie vitale.
Laissant place à l’instinct et à la meute, ils dansent, s’écoutent les uns les autres, se consolent, se rendent plus forts. Christian et François Ben Aïm combinent des danses d’aujourd’hui comme d’autres venues du fond des âges, nous emportant dans une quête tragi-comique portée par une expressivité débordante, drôle et jouissive.
TENDRE COLÈRE
Manifeste utopique, remède à la mélancolie, pied de nez à la folie du monde : Tendre colère tient toutes les promesses de son titre.
Présentation
Samedi 15 novembre à 20h30
Tout public à partir de 8 ans. Durée estimée : 65 minutes
Qu’est-ce qui est tendre, joyeux, mélancolique, bouleversant, paradoxal et magnifique ? Tout simplement l’humanité dansée des interprètes réunis par Christian et François Ben Aïm, emportés dans une traversée de mouvements infinis et une tempête d’émotions inoubliables.
Manifeste utopique, remède à la mélancolie, pied de nez à la folie du monde : Tendre colère tient toutes les promesses de son titre. Pièce animale pleine de tendresse, d’ivresse et de fureur, elle fédère comme rarement une dizaine de danseurs, animés par la même énergie vitale.
Laissant place à l’instinct et à la meute, ils dansent, s’écoutent les uns les autres, se consolent, se rendent plus forts. Christian et François Ben Aïm combinent des danses d’aujourd’hui comme d’autres venues du fond des âges, nous emportant dans une quête tragi-comique portée par une expressivité débordante, drôle et jouissive.
La presse en a parlé
LA TERRASSE Avec cette création, Christian et François Ben Aïm plongent dix interprètes dans des états de corps en forme de réponse collective au chaos du monde.
LE MONDE On retrouve, dans Tendre colère, le plaisir de l’écriture tournoyante des frères Ben Aïm. Il y a toujours chez eux un léger vertige qui en-traîne dans une valse sans cesse revisitée, à l’endroit et à l’envers. Les bras s’envolent et le reste du corps s’enroule dans une spirale d’énergie.
TÉLÉRAMA Entre écriture contemporaine et réminiscences de danses traditionnelles, Tendre colère entend rendre hommage à ce qui fonde l'humain et rassemble une communauté.
L'HUMANITÉ De beaux portés proposent des vacillements, suivis de brusques dégagements. Hommes et femmes sont remis aussitôt sur pied, dans un abandon confiant à l’autre, sans distinction de genre.
LES ÉCHOS Une réflexion sur le sens du collectif dans un monde troublé.
FRIDA KAHLO, portrait musical
Ce spectacle pluridisciplinaire explore la vie et l'œuvre de l’artiste mexicaine iconique à travers la musique, la danse et les arts visuels.
Présentation
Jeudi 6 et vendredi 7 novembre à 14h30 (séances scolaires ouvertes au public).
Vendredi 7 novembre à 20h30
Tout public. Durée estimée : 1h
CRÉATION
Un portrait musical par l’Ensemble Almaviva
D’après les Lettres et le Journal de Frida Kahlo
Frida Kahlo a marqué l’histoire de l’art par son approche profondément personnelle, transformant ses souffrances physiques et émotionnelles en œuvres puissantes et symboliques.
Ce spectacle pluridisciplinaire explore la vie et l'œuvre de l’artiste mexicaine iconique à travers la musique, la danse et les arts visuels. Il réunit une chanteuse, un danseur, un trompettiste et un percussionniste, et explore des thèmes tels que la résilience, la sublimation de la douleur et la recherche de sens. La chorégraphie incarne le rôle central que le corps, transcendé par la blessure, a joué dans l’art de Frida Kahlo.
C’est une double réalité -joie et peine, jouissance et souffrance, plaisir et douleur- qui rend l’image de Frida Kahlo si fascinante et universelle. C’est cette complexité que ce portrait musical tente de révéler.
Ezequiel Spuccles de l'Ensemble Almaviva est artiste associé au Théâtre Antoine Watteau pour la saison 2025/2026.
FRIDA KAHLO, portrait musical
Ce spectacle pluridisciplinaire explore la vie et l'œuvre de l’artiste mexicaine iconique à travers la musique, la danse et les arts visuels.
Présentation
Jeudi 6 et vendredi 7 novembre à 14h30 (séances scolaires ouvertes au public).
Vendredi 7 novembre à 20h30
Tout public. Durée estimée : 1h
CRÉATION
Un portrait musical par l’Ensemble Almaviva
D’après les Lettres et le Journal de Frida Kahlo
Frida Kahlo a marqué l’histoire de l’art par son approche profondément personnelle, transformant ses souffrances physiques et émotionnelles en œuvres puissantes et symboliques.
Ce spectacle pluridisciplinaire explore la vie et l'œuvre de l’artiste mexicaine iconique à travers la musique, la danse et les arts visuels. Il réunit une chanteuse, un danseur, un trompettiste et un percussionniste, et explore des thèmes tels que la résilience, la sublimation de la douleur et la recherche de sens. La chorégraphie incarne le rôle central que le corps, transcendé par la blessure, a joué dans l’art de Frida Kahlo.
C’est une double réalité -joie et peine, jouissance et souffrance, plaisir et douleur- qui rend l’image de Frida Kahlo si fascinante et universelle. C’est cette complexité que ce portrait musical tente de révéler.
Ezequiel Spuccles de l'Ensemble Almaviva est artiste associé au Théâtre Antoine Watteau pour la saison 2025/2026.
La presse en a parlé
La presse en a parlé
LE PARISIEN ÉTUDIANT Pluie dans les cheveux de Tarjeï Vesaas est un coup de cœur. La pièce est publiée aux Éditions de la Barque. Elle est montée pour la première fois en France. Une partition théâtrale, visuelle, musicale et chorégraphique pour 3 comédiennes, 1 comédien et 1 musicien.
PLUIE DANS LES CHEVEUX
Un conte de printemps. Valborg quitte le bal, pour marcher seule la nuit dans la forêt sous la bruine et savourer un sentiment nouveau, né pendant la danse.
Présentation
Vendredi 17 octobre 2025 à 20h30. Durée estimée : 1h10.
Tout public à partir de 12 ans.
D’après un conte de printemps de Tarjeï Vesaas
CRÉATION
Puis-je me promener en paix avec ce qui m’appartient cette nuit ?
C’est la fête du printemps. Valborg quitte le bal, pour marcher seule la nuit dans la forêt sous la bruine et savourer un sentiment nouveau, né pendant la danse. Björn, son ami d’enfance, la rejoint et souhaite l’accompagner. Valborg préfère être seule. Siss attend l’être mystérieux sous un sapin, Kari court et rêve à Knut, Björn tourne et tourne avec son vélo. Tous les sens sont exacerbés.
Dans cette nuit où silence, trouble, non-dits, agitation se confondent, on découvrira dans sa complexité la délicate naissance du sentiment amoureux à l’adolescence.
Composée de sept tableaux, la pièce dépeint avec poésie un sentiment que les personnages découvrent et qui provoque chez eux le besoin irrépressible d’errer la nuit, dans la forêt, sous une pluie fine.
La Mandarine Blanche est compagnie associée au Théâtre Antoine Watteau pour la saison 2025/2026.
PLUIE DANS LES CHEVEUX
Un conte de printemps. Valborg quitte le bal, pour marcher seule la nuit dans la forêt sous la bruine et savourer un sentiment nouveau, né pendant la danse.
Présentation
Vendredi 17 octobre 2025 à 20h30. Durée estimée : 1h10.
Tout public à partir de 12 ans.
D’après un conte de printemps de Tarjeï Vesaas
CRÉATION
Puis-je me promener en paix avec ce qui m’appartient cette nuit ?
C’est la fête du printemps. Valborg quitte le bal, pour marcher seule la nuit dans la forêt sous la bruine et savourer un sentiment nouveau, né pendant la danse. Björn, son ami d’enfance, la rejoint et souhaite l’accompagner. Valborg préfère être seule. Siss attend l’être mystérieux sous un sapin, Kari court et rêve à Knut, Björn tourne et tourne avec son vélo. Tous les sens sont exacerbés.
Dans cette nuit où silence, trouble, non-dits, agitation se confondent, on découvrira dans sa complexité la délicate naissance du sentiment amoureux à l’adolescence.
Composée de sept tableaux, la pièce dépeint avec poésie un sentiment que les personnages découvrent et qui provoque chez eux le besoin irrépressible d’errer la nuit, dans la forêt, sous une pluie fine.
La Mandarine Blanche est compagnie associée au Théâtre Antoine Watteau pour la saison 2025/2026.
La presse en a parlé
LE PARISIEN ÉTUDIANT Pluie dans les cheveux de Tarjeï Vesaas est un coup de cœur. La pièce est publiée aux Éditions de la Barque. Elle est montée pour la première fois en France. Une partition théâtrale, visuelle, musicale et chorégraphique pour 3 comédiennes, 1 comédien et 1 musicien.
Étonnez vos oreilles > Calebasses Labs
Étonnez vos oreilles ! avec l'ensemble l'Imaginaire et ses Calebasses Labs.
Présentation
Dimanche 5 octobre 2025
Tout public à partir de 6 ans. Durée estimée : 2h
Le concert à 16h / L’atelier à 17h15
Calebasses Labs
Ensemble L'Imaginaire / Mario Lorenzo
Dans un monde dominé par les haut-parleurs et les discours grandiloquents, le compositeur Mario Lorenzo et les musiciennes de L'Imaginaire nous accueillent autour d’une installation "low-tech" construite à partir de calebasses servant de caisse de résonance.
Sensible au problème de la pollution acoustique, Calebasses Labs est une installation qui explore un espace sonore de faible intensité mais d’une grande richesse. A travers une "low-tech" faite principalement de bols de calebasses de l’Amérique du Sud et de transducteurs de basse consommation d’énergie, ce « laboratoire musical » du XXIe siècle propose une diffusion non-intrusive et singulière en déployant une myriade de grains sonores, créant ainsi un espace autant volumineux que silencieux que nous pouvons découvrir grâce à des séances d’écoute de proximité. Une rumeur foisonnante.
L’atelier
Guidé par le compositeur Mario Lorenzo, le public est invité à découvrir les secrets du dispositif électroacoustique de l'installation, dans une démarche ludique et interactive.
Étonnez vos oreilles > Calebasses Labs
Étonnez vos oreilles ! avec l'ensemble l'Imaginaire et ses Calebasses Labs.
Présentation
Dimanche 5 octobre 2025
Tout public à partir de 6 ans. Durée estimée : 2h
Le concert à 16h / L’atelier à 17h15
Calebasses Labs
Ensemble L'Imaginaire / Mario Lorenzo
Dans un monde dominé par les haut-parleurs et les discours grandiloquents, le compositeur Mario Lorenzo et les musiciennes de L'Imaginaire nous accueillent autour d’une installation "low-tech" construite à partir de calebasses servant de caisse de résonance.
Sensible au problème de la pollution acoustique, Calebasses Labs est une installation qui explore un espace sonore de faible intensité mais d’une grande richesse. A travers une "low-tech" faite principalement de bols de calebasses de l’Amérique du Sud et de transducteurs de basse consommation d’énergie, ce « laboratoire musical » du XXIe siècle propose une diffusion non-intrusive et singulière en déployant une myriade de grains sonores, créant ainsi un espace autant volumineux que silencieux que nous pouvons découvrir grâce à des séances d’écoute de proximité. Une rumeur foisonnante.
L’atelier
Guidé par le compositeur Mario Lorenzo, le public est invité à découvrir les secrets du dispositif électroacoustique de l'installation, dans une démarche ludique et interactive.
La presse en a parlé
La presse en a parlé
LA TERRASSE L'énergie bondissante de Ça déménage ! Une pièce pour cinq danseurs qui reflète bien la vision du hip hop de Nabil Ouelhadj : une danse virtuose, porteuse d’histoires, qui sait faire de la scène (comme de la rue) un terrain de jeu extraordinaire en utilisant tous ses codes et ses ressources. (...) C’est dans la scénographie bondissante du trampoline que le jeu devient virevoltant, invitant les techniques de cirque à se mêler au hip hop, dans l’esprit d’un spectacle total et enivrant.
TÉLÉRAMA Un quintet de danseurs hip-hop monte sur un ring-trampoline pour dompter la gravité, tel un rêve universel d'un vol sans aile. Dans une scénographie en mouvement, leur danse instable et dynamique offre un incroyable moment suspendu.
LE DAUPHINÉ LIBÉRÉ Un déménagement aux allures hip hop (...). Dans cette prestation de haute volée, tout en acrobatie et voltige, se mêlent humour et poésie sur une bande-son extraordinaire. Une chorégraphie millimétrée.
Ça déménage !
Avec le spectacle de danse hip hop Ça déménage ! c'est la promesse d’un moment suspendu au Théâtre Antoine Watteau le 3 octobre 2025.
Présentation
Vendredi 3 octobre à 20h30
Tout public à partir de 6 ans. Durée estimée : 55 minutes
La promesse d’un moment suspendu
En musique et sur trampoline, la danse hip-hop prend de belles hauteurs !
Cinq danseurs se toisent ou s’étreignent, montent sur un ring-trampoline, synchronisent leurs gestes, et trouvent leur équilibre dans les airs pour un déménagement chorégraphique surprenant où l’imprévu prend rapidement le dessus.
Autour du trampoline, le temps se suspend, les artistes s’affranchissent de la gravité avec légèreté, entre chutes maitrisées et envols gracieux.
Une expérimentation dansée pleine d’humour, où la danse hip-hop rime avec tangram géant, ombres chinoises, acrobaties à l’échelle et musicalité des gestes. Sur des musiques d’Arthur H et de Georges Brassens.
Une création bondissante et poétique à voir à tout âge !
À LIRE DANS LE NOGENT MAG (sept/oct 2025) l'interview de Nabil Ouelhadj :
Ça déménage !
Avec le spectacle de danse hip hop Ça déménage ! c'est la promesse d’un moment suspendu au Théâtre Antoine Watteau le 3 octobre 2025.
Présentation
Vendredi 3 octobre à 20h30
Tout public à partir de 6 ans. Durée estimée : 55 minutes
La promesse d’un moment suspendu
En musique et sur trampoline, la danse hip-hop prend de belles hauteurs !
Cinq danseurs se toisent ou s’étreignent, montent sur un ring-trampoline, synchronisent leurs gestes, et trouvent leur équilibre dans les airs pour un déménagement chorégraphique surprenant où l’imprévu prend rapidement le dessus.
Autour du trampoline, le temps se suspend, les artistes s’affranchissent de la gravité avec légèreté, entre chutes maitrisées et envols gracieux.
Une expérimentation dansée pleine d’humour, où la danse hip-hop rime avec tangram géant, ombres chinoises, acrobaties à l’échelle et musicalité des gestes. Sur des musiques d’Arthur H et de Georges Brassens.
Une création bondissante et poétique à voir à tout âge !
À LIRE DANS LE NOGENT MAG (sept/oct 2025) l'interview de Nabil Ouelhadj :
La presse en a parlé
LA TERRASSE L'énergie bondissante de Ça déménage ! Une pièce pour cinq danseurs qui reflète bien la vision du hip hop de Nabil Ouelhadj : une danse virtuose, porteuse d’histoires, qui sait faire de la scène (comme de la rue) un terrain de jeu extraordinaire en utilisant tous ses codes et ses ressources. (...) C’est dans la scénographie bondissante du trampoline que le jeu devient virevoltant, invitant les techniques de cirque à se mêler au hip hop, dans l’esprit d’un spectacle total et enivrant.
TÉLÉRAMA Un quintet de danseurs hip-hop monte sur un ring-trampoline pour dompter la gravité, tel un rêve universel d'un vol sans aile. Dans une scénographie en mouvement, leur danse instable et dynamique offre un incroyable moment suspendu.
LE DAUPHINÉ LIBÉRÉ Un déménagement aux allures hip hop (...). Dans cette prestation de haute volée, tout en acrobatie et voltige, se mêlent humour et poésie sur une bande-son extraordinaire. Une chorégraphie millimétrée.
KASSAV’
Du Zouk avec Kassav' en concert sur la scène du Pavillon Baltard dans le cadre du Festival de Marne, samedi 27 septembre 2025.
Présentation
Samedi 27 septembre 2025 à 20h. COMPLET
Au Pavillon Baltard (12, avenue Victor Hugo) / Ouverture des portes à 19h.
Tout public. Durée estimée : 2h30.
Placement debout
Rares sont ceux, quel que soit l'âge, qui n'ont pas au moins un souvenir de Kassav’, issu de leur jeunesse, de leur enfance. Qu'elle soit radiophonique, télévisuelle ou liée à un concert, l'image de Kassav’ est indélébile dans les esprits des auditeurs et spectateurs.
Le groupe fondé en 1979 par Jacob Desvarieux, Georges et Pierre-Édouard Décimus est devenu légendaire. En mettant la Guadeloupe et la Martinique sur la carte musicale de la planète, Kassav’ a permis au zouk de faire le tour du monde et être récompensé dans plusieurs pays. Les albums du groupe ont été, de nombreuses fois, disques de platine ou d’or.
Emporté par le Covid en 2021, Jacob Desvarieux laisse un vide immense derrière lui.
De la combinaison Jacob Desvarieux et Georges Decimus en passant par Jocelyne Béroard, Jean-Philippe Marthély, Patrick Saint-Éloi et Jean-Claude Naimro, les membres de Kassav’ ont à chaque fois rempli les salles, partant en tournée dans plus de 82 pays, pour des concerts à guichet fermé. Avec des textes ancrés dans les réalités de la Caraïbe et du monde, cette musique entrainante qui se nourrit des rythmes du gwo-ka guadeloupéen et du ti-bwa martiniquais a su transcender les codes bien définis de la musique des Antilles. Elle a transformé les années 1980 mais aussi les décennies suivantes en dancefloor de qualité, et ce même au Japon ou en URSS, où le groupe fut accueilli à bras ouverts, faisant de Kassav’ le premier groupe de musiciens noirs à jouer là-bas. Plus de quarante ans après la création de Kassav’, leurs succès indémodables résonnent encore.
1ère partie : Syamca
"Je suis Syamka, chanteuse, autrice et compositrice autodidacte. Ma musique est pour moi une véritable thérapie, un moyen d'explorer mes combats personnels."
KASSAV’
Du Zouk avec Kassav' en concert sur la scène du Pavillon Baltard dans le cadre du Festival de Marne, samedi 27 septembre 2025.
Présentation
Samedi 27 septembre 2025 à 20h. COMPLET
Au Pavillon Baltard (12, avenue Victor Hugo) / Ouverture des portes à 19h.
Tout public. Durée estimée : 2h30.
Placement debout
Rares sont ceux, quel que soit l'âge, qui n'ont pas au moins un souvenir de Kassav’, issu de leur jeunesse, de leur enfance. Qu'elle soit radiophonique, télévisuelle ou liée à un concert, l'image de Kassav’ est indélébile dans les esprits des auditeurs et spectateurs.
Le groupe fondé en 1979 par Jacob Desvarieux, Georges et Pierre-Édouard Décimus est devenu légendaire. En mettant la Guadeloupe et la Martinique sur la carte musicale de la planète, Kassav’ a permis au zouk de faire le tour du monde et être récompensé dans plusieurs pays. Les albums du groupe ont été, de nombreuses fois, disques de platine ou d’or.
Emporté par le Covid en 2021, Jacob Desvarieux laisse un vide immense derrière lui.
De la combinaison Jacob Desvarieux et Georges Decimus en passant par Jocelyne Béroard, Jean-Philippe Marthély, Patrick Saint-Éloi et Jean-Claude Naimro, les membres de Kassav’ ont à chaque fois rempli les salles, partant en tournée dans plus de 82 pays, pour des concerts à guichet fermé. Avec des textes ancrés dans les réalités de la Caraïbe et du monde, cette musique entrainante qui se nourrit des rythmes du gwo-ka guadeloupéen et du ti-bwa martiniquais a su transcender les codes bien définis de la musique des Antilles. Elle a transformé les années 1980 mais aussi les décennies suivantes en dancefloor de qualité, et ce même au Japon ou en URSS, où le groupe fut accueilli à bras ouverts, faisant de Kassav’ le premier groupe de musiciens noirs à jouer là-bas. Plus de quarante ans après la création de Kassav’, leurs succès indémodables résonnent encore.
1ère partie : Syamca
"Je suis Syamka, chanteuse, autrice et compositrice autodidacte. Ma musique est pour moi une véritable thérapie, un moyen d'explorer mes combats personnels."
La presse en a parlé
ALAIN SOUCHON
Alain Souchon accompagné par Ours et Pierre Souchon, en concert sur la scène du Pavillon Baltard dans le cadre du Festival de Marne, vendredi 26 septembre 2025.
Présentation
Alain Souchon accompagné par Ours et Pierre Souchon
Vendredi 26 septembre 2025 à 20h.
Au Pavillon Baltard (12, avenue Victor Hugo) / Ouverture des portes à 19h.
Tout public. Durée estimée : 2h30.
Placement assis.
Il y a un peu plus de 4 ans, Alain Souchon publiait un nouvel album acclamé par la critique, Âme fifties, fruit d'une étroite collaboration avec ses deux fils. S'en est suivi une tournée triomphale de plus de 100 dates.
Cette année, Alain Souchon repart pour une nouvelle tournée, accompagné de Ours et de Pierre Souchon. C'est tous les trois sur scène qu'ils revisitent le répertoire d'Alain Souchon, entre titres incontournables, perles rares et quelques surprises.
1ère partie : Pierre Guénard > Voltige
Ce deuxième album solo de Pierre Guénard est né dans sa cuisine. C’est là que les maquettes ont été mises en boîte. Paroles et musiques, c’est Pierre. Et c’est Pierre Simon à la réalisation. Dès la première écoute, les nouvelles chansons regardent vers le ciel, elles emmènent, loin, haut, et dévoilent un charme paradoxal, capables d’envouter un stade alors qu’elles racontent ce qui fait l’Homme : l’amour, la séduction, la paternité, l’enfance, les souvenirs, hier, aujourd’hui et demain. Ici, on chante la grave futilité des choses, les sentiments qui se croisent et c’est captivant.
ALAIN SOUCHON
Alain Souchon accompagné par Ours et Pierre Souchon, en concert sur la scène du Pavillon Baltard dans le cadre du Festival de Marne, vendredi 26 septembre 2025.
Présentation
Alain Souchon accompagné par Ours et Pierre Souchon
Vendredi 26 septembre 2025 à 20h.
Au Pavillon Baltard (12, avenue Victor Hugo) / Ouverture des portes à 19h.
Tout public. Durée estimée : 2h30.
Placement assis.
Il y a un peu plus de 4 ans, Alain Souchon publiait un nouvel album acclamé par la critique, Âme fifties, fruit d'une étroite collaboration avec ses deux fils. S'en est suivi une tournée triomphale de plus de 100 dates.
Cette année, Alain Souchon repart pour une nouvelle tournée, accompagné de Ours et de Pierre Souchon. C'est tous les trois sur scène qu'ils revisitent le répertoire d'Alain Souchon, entre titres incontournables, perles rares et quelques surprises.
1ère partie : Pierre Guénard > Voltige
Ce deuxième album solo de Pierre Guénard est né dans sa cuisine. C’est là que les maquettes ont été mises en boîte. Paroles et musiques, c’est Pierre. Et c’est Pierre Simon à la réalisation. Dès la première écoute, les nouvelles chansons regardent vers le ciel, elles emmènent, loin, haut, et dévoilent un charme paradoxal, capables d’envouter un stade alors qu’elles racontent ce qui fait l’Homme : l’amour, la séduction, la paternité, l’enfance, les souvenirs, hier, aujourd’hui et demain. Ici, on chante la grave futilité des choses, les sentiments qui se croisent et c’est captivant.
La presse en a parlé
Présentation de saison 2025/2026
Présentation de la saison culturelle 2025/2026 du Théâtre Antoine Watteau de Nogent-sur-Marne.
Présentation
Vendredi 20 juin à 20h. Durée estimée : 2h30.
Tout public. GRATUIT SUR RÉSERVATION
L’équipe du Théâtre Antoine Watteau vous attend nombreux pour vous faire découvrir la saison 2025/2026. Jacques J.P. Martin, le maire, Déborah Münzer, son adjointe à la culture, et Emmanuelle Osouf-Sourzat, la directrice du théâtre vous convient à une soirée festive et participative exceptionnelle.
Venez rencontrer en avant-première les artistes qui seront accueillis, échanger avec eux et partager un moment convivial dans votre théâtre. La soirée de présentation vous réserve aussi son lot de surprises.
« Danse, humour, musique, théâtre, spectacles en famille… nous vous dévoilerons nos coups de cœur en souhaitant qu’ils vous donnent envie de venir - et revenir - au théâtre tout au long de l’année ! » indique la directrice du théâtre.
Présentation de saison 2025/2026
Présentation de la saison culturelle 2025/2026 du Théâtre Antoine Watteau de Nogent-sur-Marne.
Présentation
Vendredi 20 juin à 20h. Durée estimée : 2h30.
Tout public. GRATUIT SUR RÉSERVATION
L’équipe du Théâtre Antoine Watteau vous attend nombreux pour vous faire découvrir la saison 2025/2026. Jacques J.P. Martin, le maire, Déborah Münzer, son adjointe à la culture, et Emmanuelle Osouf-Sourzat, la directrice du théâtre vous convient à une soirée festive et participative exceptionnelle.
Venez rencontrer en avant-première les artistes qui seront accueillis, échanger avec eux et partager un moment convivial dans votre théâtre. La soirée de présentation vous réserve aussi son lot de surprises.
« Danse, humour, musique, théâtre, spectacles en famille… nous vous dévoilerons nos coups de cœur en souhaitant qu’ils vous donnent envie de venir - et revenir - au théâtre tout au long de l’année ! » indique la directrice du théâtre.
La presse en a parlé
Étonnez vos oreilles > Espaces
Espace intime, espace mental, espace de vie, espace public, espace naturel… Et si on fermait les yeux et qu'on essayait de parcourir tout cela avec nos oreilles ?
Présentation
Samedi 24 mai à 16h
Tout public à partir de 6 ans. Durée estimée : 2h
Le concert à 16h
Espace intime, espace mental, espace de vie, espace public, espace naturel… Et si on fermait les yeux et qu'on essayait de parcourir tout cela avec nos oreilles ?
Trois musiciens se lancent dans une exploration minutieuse des sons selon une logique de cercles concentriques, partant de ce qui est le plus proche de nous (notre souffle, notre voix, notre corps) pour arriver progressivement aux « autres », celles et ceux avec qui nous partageons le monde et qui, à leur tour, nous entendent.
L’atelier à 17h15
Après le concert, les musiciens inviteront le public à créer divers paysages sonores en utilisant la voix, les sons produits avec le corps (comme les percussions corporelles), des instruments de musique et des objets quotidiens. Guidés par Christine Audat, Clément Caratini et Maxime Échardour, les participants exploreront les possibilités sonores de chaque élément pour composer des espaces singuliers.
Cet atelier est une invitation à redécouvrir notre environnement tout en développant notre sensibilité musicale.
Étonnez vos oreilles > Espaces
Espace intime, espace mental, espace de vie, espace public, espace naturel… Et si on fermait les yeux et qu'on essayait de parcourir tout cela avec nos oreilles ?
Présentation
Samedi 24 mai à 16h
Tout public à partir de 6 ans. Durée estimée : 2h
Le concert à 16h
Espace intime, espace mental, espace de vie, espace public, espace naturel… Et si on fermait les yeux et qu'on essayait de parcourir tout cela avec nos oreilles ?
Trois musiciens se lancent dans une exploration minutieuse des sons selon une logique de cercles concentriques, partant de ce qui est le plus proche de nous (notre souffle, notre voix, notre corps) pour arriver progressivement aux « autres », celles et ceux avec qui nous partageons le monde et qui, à leur tour, nous entendent.
L’atelier à 17h15
Après le concert, les musiciens inviteront le public à créer divers paysages sonores en utilisant la voix, les sons produits avec le corps (comme les percussions corporelles), des instruments de musique et des objets quotidiens. Guidés par Christine Audat, Clément Caratini et Maxime Échardour, les participants exploreront les possibilités sonores de chaque élément pour composer des espaces singuliers.
Cet atelier est une invitation à redécouvrir notre environnement tout en développant notre sensibilité musicale.
La presse en a parlé
CONCERT DE PRINTEMPS
Relecture de deux œuvres majeures du répertoire pour trio avec piano : le Deuxième trio de Johannes Brahms et le Trio Dumky d'Antonin Dvorak.
Présentation
Mardi 20 mai à 20h30
Tout public. Durée estimée : 1h20
Ann-Estelle Médouze et Élisa Huteau sont respectivement violon super soliste et 2e violoncelle solo de l’Orchestre National d’Île-de-France. Elles sont accompagnées par Ezequiel Spucches, pianiste d'origine argentine, et compositeur associé au Théâtre Antoine Watteau.
Ces trois musiciens à la personnalité forte et singulière proposent pour ce concert une relecture de deux œuvres majeures du répertoire pour trio avec piano : le Deuxième trio de Johannes Brahms et le Trio Dumky d'Antonin Dvorak.
Les mélodies populaires des pays d'origine de ces célèbres compositeurs étant omniprésentes dans ces pièces, les musiciens ont décidé de les associer à trois pièces du compositeur cubain Léo Brouwer. Rendant hommage à des tableaux célèbres de Delacroix, Lam et Rauschenberg, Brouwer puise son inspiration dans la musique populaire latino-américaine.
CONCERT DE PRINTEMPS
Relecture de deux œuvres majeures du répertoire pour trio avec piano : le Deuxième trio de Johannes Brahms et le Trio Dumky d'Antonin Dvorak.
Présentation
Mardi 20 mai à 20h30
Tout public. Durée estimée : 1h20
Ann-Estelle Médouze et Élisa Huteau sont respectivement violon super soliste et 2e violoncelle solo de l’Orchestre National d’Île-de-France. Elles sont accompagnées par Ezequiel Spucches, pianiste d'origine argentine, et compositeur associé au Théâtre Antoine Watteau.
Ces trois musiciens à la personnalité forte et singulière proposent pour ce concert une relecture de deux œuvres majeures du répertoire pour trio avec piano : le Deuxième trio de Johannes Brahms et le Trio Dumky d'Antonin Dvorak.
Les mélodies populaires des pays d'origine de ces célèbres compositeurs étant omniprésentes dans ces pièces, les musiciens ont décidé de les associer à trois pièces du compositeur cubain Léo Brouwer. Rendant hommage à des tableaux célèbres de Delacroix, Lam et Rauschenberg, Brouwer puise son inspiration dans la musique populaire latino-américaine.
La presse en a parlé
LES SUBVERSIVES
Les Filles de Simone font remonter à la surface de nos mémoires ces expériences singulières de survie ou de réparation, où des femmes entre elles ont inventé de nouvelles manières de faire société.
Présentation
Samedi 17 mai à 19h
Tout public à partir de 15 ans. Durée estimée : 1h
CRÉATION
Prenez place dans le cercle… et plongez dans la découverte de trois collectifs non-mixtes à travers l’Histoire : une communauté de femmes dans l’Oregon des années 70, la Maison des Babayagas, habitat collectif autogéré pour femmes âgées, et les méconnues Béguines du Moyen-Âge.
Les Filles de Simone font remonter à la surface de nos mémoires ces expériences singulières de survie ou de réparation, où des femmes entre elles ont inventé de nouvelles manières de faire société. Elles nous entraînent dans une exploration théâtro-archéologique vivante et décalée pour (re)donner à ces expérimentations collectives la place inspirante qu’elles méritent.
Le spectacle sera suivi d’un débat.
Il est accueilli au Théâtre Antoine Watteau dans le cadre du temps fort « Commune Utopie ! » organisé par le collectif La Constellation.
LES SUBVERSIVES
Les Filles de Simone font remonter à la surface de nos mémoires ces expériences singulières de survie ou de réparation, où des femmes entre elles ont inventé de nouvelles manières de faire société.
Présentation
Samedi 17 mai à 19h
Tout public à partir de 15 ans. Durée estimée : 1h
CRÉATION
Prenez place dans le cercle… et plongez dans la découverte de trois collectifs non-mixtes à travers l’Histoire : une communauté de femmes dans l’Oregon des années 70, la Maison des Babayagas, habitat collectif autogéré pour femmes âgées, et les méconnues Béguines du Moyen-Âge.
Les Filles de Simone font remonter à la surface de nos mémoires ces expériences singulières de survie ou de réparation, où des femmes entre elles ont inventé de nouvelles manières de faire société. Elles nous entraînent dans une exploration théâtro-archéologique vivante et décalée pour (re)donner à ces expérimentations collectives la place inspirante qu’elles méritent.
Le spectacle sera suivi d’un débat.
Il est accueilli au Théâtre Antoine Watteau dans le cadre du temps fort « Commune Utopie ! » organisé par le collectif La Constellation.
La presse en a parlé
La presse en a parlé
MIDI LIBRE Cette création pour le jeune public est une ode au courage et à la tolérance. Un pari aussi : celui de raconter aux enfants l’histoire vraie d’Irena Sendler, une infirmière polonaise qui a sauvé 2 500 enfants juifs du Ghetto de Varsovie au cours de la Seconde Guerre mondiale.
JUSTE IRENA
Irena raconte les maux d’hier pour soigner ceux d’aujourd’hui, fait résonner les notions de courage et d’humanité, éclaire la grande Histoire et les petites.
Présentation
Mardi 8 avril à 20h30
Tout public à partir de 10 ans. Durée estimée : 1h20
(+ 15 minutes d'échange avec l'équipe artistique)
D'après une histoire vraie
CRÉATION
De nos jours, une dame polonaise vit dans une maison de retraite. Elle a 94 ans, elle s’appelle Irena et son apparence de vieille pomme ridée rend insoupçonnables les actions héroïques qu’elle a accomplies durant la Seconde Guerre mondiale. Elle et son réseau de femmes ont sauvé, au péril de leur vie, 2 500 enfants juifs du Ghetto de Varsovie et de la déportation.
Pendant que trois étudiantes du Kansas enquêtent sur le personnage qu’elle était, de sa chambre, Irena convoque ses souvenirs.
Irena raconte les maux d’hier pour soigner ceux d’aujourd’hui, fait résonner les notions de courage et d’humanité, éclaire la grande Histoire et les petites. Mais il n’y a pas de grandes ou de petites histoires dans la vie… il y a la Vie !
JUSTE IRENA
Irena raconte les maux d’hier pour soigner ceux d’aujourd’hui, fait résonner les notions de courage et d’humanité, éclaire la grande Histoire et les petites.
Présentation
Mardi 8 avril à 20h30
Tout public à partir de 10 ans. Durée estimée : 1h20
(+ 15 minutes d'échange avec l'équipe artistique)
D'après une histoire vraie
CRÉATION
De nos jours, une dame polonaise vit dans une maison de retraite. Elle a 94 ans, elle s’appelle Irena et son apparence de vieille pomme ridée rend insoupçonnables les actions héroïques qu’elle a accomplies durant la Seconde Guerre mondiale. Elle et son réseau de femmes ont sauvé, au péril de leur vie, 2 500 enfants juifs du Ghetto de Varsovie et de la déportation.
Pendant que trois étudiantes du Kansas enquêtent sur le personnage qu’elle était, de sa chambre, Irena convoque ses souvenirs.
Irena raconte les maux d’hier pour soigner ceux d’aujourd’hui, fait résonner les notions de courage et d’humanité, éclaire la grande Histoire et les petites. Mais il n’y a pas de grandes ou de petites histoires dans la vie… il y a la Vie !
La presse en a parlé
MIDI LIBRE Cette création pour le jeune public est une ode au courage et à la tolérance. Un pari aussi : celui de raconter aux enfants l’histoire vraie d’Irena Sendler, une infirmière polonaise qui a sauvé 2 500 enfants juifs du Ghetto de Varsovie au cours de la Seconde Guerre mondiale.
La presse en a parlé
FEMINA Hautement vibrant et vivant.
RFI Un album rock envoutant.
ROLLING STONE La musicienne française réinvente son propos conscient, nourri d'un terreau folk-rock ultra-organique.
MARIE-FRANCE Un disque profond autour des thèmes de l’écologie ou de la solidarité.
LE PARISIEN Le résultat est intense !
VOICI Un disque intense et somptueux.
TÉLÉRAMA TTT
ROCK & FOLK Incisive ou voilée, forte, décidée, lumineuse, sa voix joue de ses variations et s'impose au sein d'une formation réduire qui sonne comme un véritable groupe.
LE MONDE Et la simplicité sied à ce disque lumineux.
EMILY LOIZEAU
Emily Loizeau sera de retour à l'automne 2024 avec son nouvel album La souterraine.
Présentation
Samedi 5 avril à 20h30
Tout public.
Après l'album Icare sorti en 2021 et une tournée triomphale qui aura duré près de 2 ans, Emily Loizeau sera de retour à l'automne 2024 avec son nouvel album La souterraine.
Ce nouveau disque, prolongement naturel du précédent, a également été enregistré au Pays de Galles, sous la houlette du fameux réalisateur John Parish (PJ Harvey, Aldous Harding, Dominique A...) et avec ses musiciens de scène.
Son interprétation intense et puissante nous amènera à nous questionner sur notre société ébranlée par les dérèglements climatiques, impactée par les crises économiques et sanitaires.
Des thématiques cette fois baignées d’espoir éperdu et déterminé. Emily Loizeau nous appelle à ne pas abandonner la lumière, pour regarder dans les yeux et vaincre la noirceur, et nous soulever ensemble pour rendre ce monde meilleur.
« La Souterraine est un disque qui tente de tracer le chemin d’une longue quête d’amour au milieu d’un monde en vrac. C’est un parcours tissé de violence et de rage, mais aussi d’espoir éperdu et déterminé. Une danse entre réalité et fiction qui fait tout pour ne pas abandonner la lumière, pour vaincre la noirceur et la regarder dans les yeux. Et puis enfin, ce sont des poèmes, des récits pour dire et crier, écrire en grandes lettres sur les murs la nécessité absolue de nous soulever, de nous métamorphoser."
EMILY LOIZEAU
Emily Loizeau sera de retour à l'automne 2024 avec son nouvel album La souterraine.
Présentation
Samedi 5 avril à 20h30
Tout public.
Après l'album Icare sorti en 2021 et une tournée triomphale qui aura duré près de 2 ans, Emily Loizeau sera de retour à l'automne 2024 avec son nouvel album La souterraine.
Ce nouveau disque, prolongement naturel du précédent, a également été enregistré au Pays de Galles, sous la houlette du fameux réalisateur John Parish (PJ Harvey, Aldous Harding, Dominique A...) et avec ses musiciens de scène.
Son interprétation intense et puissante nous amènera à nous questionner sur notre société ébranlée par les dérèglements climatiques, impactée par les crises économiques et sanitaires.
Des thématiques cette fois baignées d’espoir éperdu et déterminé. Emily Loizeau nous appelle à ne pas abandonner la lumière, pour regarder dans les yeux et vaincre la noirceur, et nous soulever ensemble pour rendre ce monde meilleur.
« La Souterraine est un disque qui tente de tracer le chemin d’une longue quête d’amour au milieu d’un monde en vrac. C’est un parcours tissé de violence et de rage, mais aussi d’espoir éperdu et déterminé. Une danse entre réalité et fiction qui fait tout pour ne pas abandonner la lumière, pour vaincre la noirceur et la regarder dans les yeux. Et puis enfin, ce sont des poèmes, des récits pour dire et crier, écrire en grandes lettres sur les murs la nécessité absolue de nous soulever, de nous métamorphoser."
La presse en a parlé
FEMINA Hautement vibrant et vivant.
RFI Un album rock envoutant.
ROLLING STONE La musicienne française réinvente son propos conscient, nourri d'un terreau folk-rock ultra-organique.
MARIE-FRANCE Un disque profond autour des thèmes de l’écologie ou de la solidarité.
LE PARISIEN Le résultat est intense !
VOICI Un disque intense et somptueux.
TÉLÉRAMA TTT
ROCK & FOLK Incisive ou voilée, forte, décidée, lumineuse, sa voix joue de ses variations et s'impose au sein d'une formation réduire qui sonne comme un véritable groupe.
LE MONDE Et la simplicité sied à ce disque lumineux.
MA VIE AVEC JOHN WAYNE
Ma vie avec John Wayne, c’est la parole de Jessy, une femme qui s’émancipe. Elle cherche à s’adapter à une société, patriarcale et capitaliste, qui ne lui fait pas de place.
Présentation
Jeudi 3 avril à 20h30
Tout public à partir de 13 ans. Durée estimée : 1h20
Marie-Christine étouffe dans sa ville de province où son père fabrique des cravates. Ce qu'elle aime, elle, c'est le cinéma, surtout les westerns. Mais elle n'a pas vu à temps que son mari s'apprêtait à disparaître avec l'argent des parents. Ruinée, Marie-Christine, qui s’identifie à Jessy, décide de partir et de chercher du travail pour vivre. C'est l'histoire d’une femme qui s’émancipe du cadre social qu’elle a toujours respecté : celui du travail, celui de la famille, celui de la norme.
La ruine de Marie-Christine, c’est le road-movie sincère de Jessy. Elle nous confronte à notre propre sincérité avec notre idéal.
Ici, le western est à la fois la métaphore du monde du travail, un monde qui apparait sans foi ni loi, difficile à pénétrer, mais aussi un refuge contre les événements qu’elle vit. Un radeau contre les tempêtes pour continuer à avancer.
MA VIE AVEC JOHN WAYNE
Ma vie avec John Wayne, c’est la parole de Jessy, une femme qui s’émancipe. Elle cherche à s’adapter à une société, patriarcale et capitaliste, qui ne lui fait pas de place.
Présentation
Jeudi 3 avril à 20h30
Tout public à partir de 13 ans. Durée estimée : 1h20
Marie-Christine étouffe dans sa ville de province où son père fabrique des cravates. Ce qu'elle aime, elle, c'est le cinéma, surtout les westerns. Mais elle n'a pas vu à temps que son mari s'apprêtait à disparaître avec l'argent des parents. Ruinée, Marie-Christine, qui s’identifie à Jessy, décide de partir et de chercher du travail pour vivre. C'est l'histoire d’une femme qui s’émancipe du cadre social qu’elle a toujours respecté : celui du travail, celui de la famille, celui de la norme.
La ruine de Marie-Christine, c’est le road-movie sincère de Jessy. Elle nous confronte à notre propre sincérité avec notre idéal.
Ici, le western est à la fois la métaphore du monde du travail, un monde qui apparait sans foi ni loi, difficile à pénétrer, mais aussi un refuge contre les événements qu’elle vit. Un radeau contre les tempêtes pour continuer à avancer.
La presse en a parlé
LES QUATRE SAISONS DESSINÉES
Une immersion visuelle et musicale dans le monde de Vivaldi, avec l'Orchestre de l'Opéra de Massy.
Présentation
Dimanche 30 mars à 17h
Tout public. Durée estimée : 1h
Une immersion visuelle et musicale dans le monde de Vivaldi.
Composé en 1723, Les Quatre Saisons est l’œuvre la plus célèbre d’Antonio Vivaldi. Ces quatre concertos pour violon, virtuoses et lyriques, chantent chacune des saisons, dans un dialogue complice entre le soliste et l’orchestre.
Accompagnées de sonnets choisis par le compositeur, elles donnent à entendre les chants d’oiseaux annonçant le retour du printemps, la chaleur de l’été, les danses paysannes après la moisson, le vent glacial de l’hiver.
Grâce aux commentaires du chef d’orchestre, vous pénétrerez au cœur de la musique ! Vous pourrez entendre comment Vivaldi traduit en musique l’esprit des saisons, évoque la vie des hommes associée à celle de la nature et l’atmosphère qui s’en dégage.
Les illustrations quant à elles vous transporteront visuellement, pour une expérience unique !
Le jeu d’Eléonore Darmon est volcanique et chatoyant. Une musicienne flamboyante et plurielle, qui s’épanouit en tant que soliste, chambriste, et musicienne d’orchestre, ayant été nommée en 2023 supersoliste de l’Orchestre de l’Opéra national de Lorraine.
Camille Cimper, alias Physalis, affectionne particulièrement exercer son art en « live ». Elle joue avec les couleurs, les matières, les superpositions ; une installation vidéo retransmet en direct sa création sur grand écran.
Antonio Vivaldi
- Concerto « alla rustica » RV 151
- Les Quatre Saisons
LES QUATRE SAISONS DESSINÉES
Une immersion visuelle et musicale dans le monde de Vivaldi, avec l'Orchestre de l'Opéra de Massy.
Présentation
Dimanche 30 mars à 17h
Tout public. Durée estimée : 1h
Une immersion visuelle et musicale dans le monde de Vivaldi.
Composé en 1723, Les Quatre Saisons est l’œuvre la plus célèbre d’Antonio Vivaldi. Ces quatre concertos pour violon, virtuoses et lyriques, chantent chacune des saisons, dans un dialogue complice entre le soliste et l’orchestre.
Accompagnées de sonnets choisis par le compositeur, elles donnent à entendre les chants d’oiseaux annonçant le retour du printemps, la chaleur de l’été, les danses paysannes après la moisson, le vent glacial de l’hiver.
Grâce aux commentaires du chef d’orchestre, vous pénétrerez au cœur de la musique ! Vous pourrez entendre comment Vivaldi traduit en musique l’esprit des saisons, évoque la vie des hommes associée à celle de la nature et l’atmosphère qui s’en dégage.
Les illustrations quant à elles vous transporteront visuellement, pour une expérience unique !
Le jeu d’Eléonore Darmon est volcanique et chatoyant. Une musicienne flamboyante et plurielle, qui s’épanouit en tant que soliste, chambriste, et musicienne d’orchestre, ayant été nommée en 2023 supersoliste de l’Orchestre de l’Opéra national de Lorraine.
Camille Cimper, alias Physalis, affectionne particulièrement exercer son art en « live ». Elle joue avec les couleurs, les matières, les superpositions ; une installation vidéo retransmet en direct sa création sur grand écran.
Antonio Vivaldi
- Concerto « alla rustica » RV 151
- Les Quatre Saisons
La presse en a parlé
OMBRE
Ce spectacle est un conte sur les pertes d’élan, les petits arrêts de la vie. Il retrace l’histoire d’un unique personnage à travers ses pensées, ses doutes et ses errances.
Présentation
Samedi 29 mars à 16h.
Tout public à partir de 6 ans. Durée estimée : 1h.
CRÉATION
Ce spectacle est un conte sur les pertes d’élan, les petits arrêts de la vie. Il retrace l’histoire d’un unique personnage à travers ses pensées, ses doutes et ses errances.
Plume est une jeune fille pleine de rêves. Elle sait qu'un jour elle décollera, elle s’envolera ! Elle quittera le sol pour rejoindre les airs ! Mais au fil de sa vie, de petits cailloux se glissent ici ou là et créent de la discorde, des poids qui la ramènent toujours au sol. Comment s’élever, quitter la terre dans ces conditions ? Prêter attention à ces petits cailloux ne la ralentirait-il pas davantage ?
Elle est capable de continuer bien sûr ! Mais que deviennent ces cailloux ? Doit-elle prendre le temps de s’en occuper au risque de perdre de vue ses rêves ?
Extrait :
Est-ce que c’est possible de perdre son courage ?
Et si le courage est par terre, qui va le ramasser ?
Est-ce que c’est lourd le courage ?
Est-ce qu’il faut être à plusieurs pour le récupérer ?
Est-ce que toute seule tu peux ?
A deux mains ? C’est ça prendre son courage à deux mains ?
OMBRE
Ce spectacle est un conte sur les pertes d’élan, les petits arrêts de la vie. Il retrace l’histoire d’un unique personnage à travers ses pensées, ses doutes et ses errances.
Présentation
Samedi 29 mars à 16h.
Tout public à partir de 6 ans. Durée estimée : 1h.
CRÉATION
Ce spectacle est un conte sur les pertes d’élan, les petits arrêts de la vie. Il retrace l’histoire d’un unique personnage à travers ses pensées, ses doutes et ses errances.
Plume est une jeune fille pleine de rêves. Elle sait qu'un jour elle décollera, elle s’envolera ! Elle quittera le sol pour rejoindre les airs ! Mais au fil de sa vie, de petits cailloux se glissent ici ou là et créent de la discorde, des poids qui la ramènent toujours au sol. Comment s’élever, quitter la terre dans ces conditions ? Prêter attention à ces petits cailloux ne la ralentirait-il pas davantage ?
Elle est capable de continuer bien sûr ! Mais que deviennent ces cailloux ? Doit-elle prendre le temps de s’en occuper au risque de perdre de vue ses rêves ?
Extrait :
Est-ce que c’est possible de perdre son courage ?
Et si le courage est par terre, qui va le ramasser ?
Est-ce que c’est lourd le courage ?
Est-ce qu’il faut être à plusieurs pour le récupérer ?
Est-ce que toute seule tu peux ?
A deux mains ? C’est ça prendre son courage à deux mains ?
La presse en a parlé
La presse en a parlé
TÉLÉRAMA Dans la Mouette, Tchekhov […] réconcilie ainsi le monde tel qu’il est et celui auquel on aspire. […]. Le prouve la simplissime mise en scène – le comble de l’art – de Brigitte Jaques-Wajeman, servie par de lumineux comédiens.
LA CROIX Brigitte Jaques-Wajeman […] s’est emparé avec brio des sombres observations de Tchekhov […] Cet écheveau de tourments est porté par le jeu des comédiens qui témoignent avec justesse des sentiments ambivalents des personnages.
L'HUMANITÉ Sa mise en scène est […] sobre et ample à la fois, donnant aux mots (dans la traduction de Gérard Wajcman) et au récit la fluidité et le poids nécessaires pour être emportés par l’oiseau blanc. […] Au premier acte, Sorine lance : « on ne peut pas se passer de théâtre. » La troupe en fait ici la démonstration, avec beaucoup d’humanité et de passions.
TOUTE LA CULTURE Jamais nous n’avons aussi bien entendu les mots de Tchekhov […] Brigitte Jaques-Wajeman a pris des risques payants. Elle invente encore.
LA MOUETTE
Dans La Mouette, l’amour, la vie et l’art sont inextricablement liés. Quatre personnages sont directement concernés.
Présentation
Vendredi 14 mars à 20h30
Tout public à partir de 14 ans. Durée estimée : 2h15
D'anton Tchekhov.
Dans La Mouette, l’amour, la vie et l’art sont inextricablement liés. Quatre personnages sont directement concernés. Un jeune écrivain, qui rêve d’un théâtre nouveau et exècre le théâtre de faux- semblant, que sa mère, célèbre actrice, représente. Un écrivain apparemment comblé par le succès, mais qui s’interroge anxieusement sur la validité de son œuvre ; une jeune fille pleine de rêves, qui met l’art au-dessus de tout, prête à traverser les épreuves les plus douloureuses, pour accéder à son rêve d’actrice. Elle sera exaucée !
Les débats, les questionnements sur la vérité dans l’art, sur le théâtre, l’écriture et le jeu, reviennent constamment dans la pièce, et la mouette, cet oiseau tué sans raison, puis empaillé, en est le symbole et l’allégorie.
Comment mettre en scène la vie dans toute sa complexité, sans la réduire, sans la détruire, se demandent les artistes ? Comment composer avec le temps qui passe, les mensonges, les renoncements, les illusions perdues, le désamour ? Tous les personnages à un moment ou à un autre se heurtent à ces questions. Tchekhov nous les montre « en juge impartial », sans donner de réponses, en nous faisant partager l’intensité de leurs questions.
LA MOUETTE
Dans La Mouette, l’amour, la vie et l’art sont inextricablement liés. Quatre personnages sont directement concernés.
Présentation
Vendredi 14 mars à 20h30
Tout public à partir de 14 ans. Durée estimée : 2h15
D'anton Tchekhov.
Dans La Mouette, l’amour, la vie et l’art sont inextricablement liés. Quatre personnages sont directement concernés. Un jeune écrivain, qui rêve d’un théâtre nouveau et exècre le théâtre de faux- semblant, que sa mère, célèbre actrice, représente. Un écrivain apparemment comblé par le succès, mais qui s’interroge anxieusement sur la validité de son œuvre ; une jeune fille pleine de rêves, qui met l’art au-dessus de tout, prête à traverser les épreuves les plus douloureuses, pour accéder à son rêve d’actrice. Elle sera exaucée !
Les débats, les questionnements sur la vérité dans l’art, sur le théâtre, l’écriture et le jeu, reviennent constamment dans la pièce, et la mouette, cet oiseau tué sans raison, puis empaillé, en est le symbole et l’allégorie.
Comment mettre en scène la vie dans toute sa complexité, sans la réduire, sans la détruire, se demandent les artistes ? Comment composer avec le temps qui passe, les mensonges, les renoncements, les illusions perdues, le désamour ? Tous les personnages à un moment ou à un autre se heurtent à ces questions. Tchekhov nous les montre « en juge impartial », sans donner de réponses, en nous faisant partager l’intensité de leurs questions.
La presse en a parlé
TÉLÉRAMA Dans la Mouette, Tchekhov […] réconcilie ainsi le monde tel qu’il est et celui auquel on aspire. […]. Le prouve la simplissime mise en scène – le comble de l’art – de Brigitte Jaques-Wajeman, servie par de lumineux comédiens.
LA CROIX Brigitte Jaques-Wajeman […] s’est emparé avec brio des sombres observations de Tchekhov […] Cet écheveau de tourments est porté par le jeu des comédiens qui témoignent avec justesse des sentiments ambivalents des personnages.
L'HUMANITÉ Sa mise en scène est […] sobre et ample à la fois, donnant aux mots (dans la traduction de Gérard Wajcman) et au récit la fluidité et le poids nécessaires pour être emportés par l’oiseau blanc. […] Au premier acte, Sorine lance : « on ne peut pas se passer de théâtre. » La troupe en fait ici la démonstration, avec beaucoup d’humanité et de passions.
TOUTE LA CULTURE Jamais nous n’avons aussi bien entendu les mots de Tchekhov […] Brigitte Jaques-Wajeman a pris des risques payants. Elle invente encore.
Étonnez vos oreilles > Mujeres
Ce concert est une réflexion poétique et musicale autour de la Femme.
Présentation
Samedi 8 mars à 16h
Tout public à partir de 6 ans. Durée estimée : 2h
Le concert à 16h
Ce concert est une réflexion poétique et musicale autour de la Femme : création, inspiration, force et faiblesse, ténacité et agonies...
Associant des œuvres contemporaines des compositrices Julieta Szewach et Patricia Martinez à des pièces de Hildegarde de Bingen, religieuse et compositrice du XIe siècle ou encore à des portraits de femme du compositeur cubain Leo Brouwer, les musiciennes cherchent à entrevoir dans les contrastes entre musiques d'aujourd'hui et du passé l’image de la Femme éternelle.
L’atelier à 17h15
Après le concert, venez découvrir comment l'improvisation fonctionne et laissez libre cours à votre créativité musicale ! Cet atelier consiste en une session d'improvisation où vous pourrez apprendre les bases et explorer ces techniques par vous-même, guidé par les musiciennes. Vous aurez l'opportunité d'explorer la diversité des instruments présentés : la flûte traversière, l'alto et la guitare. Les artistes vous présenteront les techniques de jeu contemporaines pour chacun de ces instruments, illustrant comment elles peuvent être utilisées dans la musique d’aujourd’hui.
Étonnez vos oreilles > Mujeres
Ce concert est une réflexion poétique et musicale autour de la Femme.
Présentation
Samedi 8 mars à 16h
Tout public à partir de 6 ans. Durée estimée : 2h
Le concert à 16h
Ce concert est une réflexion poétique et musicale autour de la Femme : création, inspiration, force et faiblesse, ténacité et agonies...
Associant des œuvres contemporaines des compositrices Julieta Szewach et Patricia Martinez à des pièces de Hildegarde de Bingen, religieuse et compositrice du XIe siècle ou encore à des portraits de femme du compositeur cubain Leo Brouwer, les musiciennes cherchent à entrevoir dans les contrastes entre musiques d'aujourd'hui et du passé l’image de la Femme éternelle.
L’atelier à 17h15
Après le concert, venez découvrir comment l'improvisation fonctionne et laissez libre cours à votre créativité musicale ! Cet atelier consiste en une session d'improvisation où vous pourrez apprendre les bases et explorer ces techniques par vous-même, guidé par les musiciennes. Vous aurez l'opportunité d'explorer la diversité des instruments présentés : la flûte traversière, l'alto et la guitare. Les artistes vous présenteront les techniques de jeu contemporaines pour chacun de ces instruments, illustrant comment elles peuvent être utilisées dans la musique d’aujourd’hui.
La presse en a parlé
L’HOMME QUI RIT
À la fin du 17e siècle, sur les côtes anglaises, un enfant au visage monstrueux est abandonné, dans des conditions effroyables. Devenu adulte, il connaîtra un destin exceptionnel.
Présentation
Vendredi 7 mars à 20h30
Tout public à partir de 12 ans. Durée estimée : 2h
D’après l’œuvre de Victor Hugo.
CRÉATION
À la fin du 17e siècle, sur les côtes anglaises, un enfant au visage monstrueux est abandonné, dans des conditions effroyables. Après maintes péripéties, il trouve refuge chez un artiste qui l'élèvera. Devenu adulte, il connaîtra un destin exceptionnel.
Ce roman de Victor Hugo, publié en 1869 et dont le titre devait être L’Aristocratie, est une œuvre foisonnante et baroque, une méditation historique et métaphysique, qui nous donne à réfléchir sur la misère et sur le peuple, qui révèle l’immuabilité de la violence de classe et dépeint une société qui cherche sa révolution.
L’HOMME QUI RIT
À la fin du 17e siècle, sur les côtes anglaises, un enfant au visage monstrueux est abandonné, dans des conditions effroyables. Devenu adulte, il connaîtra un destin exceptionnel.
Présentation
Vendredi 7 mars à 20h30
Tout public à partir de 12 ans. Durée estimée : 2h
D’après l’œuvre de Victor Hugo.
CRÉATION
À la fin du 17e siècle, sur les côtes anglaises, un enfant au visage monstrueux est abandonné, dans des conditions effroyables. Après maintes péripéties, il trouve refuge chez un artiste qui l'élèvera. Devenu adulte, il connaîtra un destin exceptionnel.
Ce roman de Victor Hugo, publié en 1869 et dont le titre devait être L’Aristocratie, est une œuvre foisonnante et baroque, une méditation historique et métaphysique, qui nous donne à réfléchir sur la misère et sur le peuple, qui révèle l’immuabilité de la violence de classe et dépeint une société qui cherche sa révolution.
La presse en a parlé
La presse en a parlé
LE PARISIEN Mathieu Salama est un sopraniste. En France, ils ne sont qu'une poignée avec cette voix.
PARIS NOTRE-DAME Lorsque la voix de Mathieu Salama s'élève, pure et cristalline, on est immédiatement transporté plusieurs siècles en arrière. Le voyage dans le temps débute alors.
OUEST FRANCE Cet artiste érudit a présenté ce que sont les voix de tête, comme lui, contre-ténor. Mathieu Salama un moment trop rare ! Une voix inoubliable.
LE TÉLÉGRAMME Une voix si particulière, rare et envoûtante.
Arias baroque airs pour Farinelli
Concert de musique baroque avec Mathieu Salama, contre-ténor, Olivier Pelmoine, théorbe et guitare, et Bruno Angé, viole de gambe.
Présentation
Jeudi 13 février à 20h30
Tout public
Voyage dans l'Italie du 17e et 18e siècle.
Un moment magique avec la voix des anges. Un timbre de voix rare et envoutant pour une soirée de plénitude.
Arias Baroque est consacré à Vivaldi et Haendel, florilège d'airs, exprimant tour à tour, la joie, la mélancolie, les passions, la douleur, la folie, tissant le fil conducteur de ce voyage baroque.
Ces extraits sont tirés des plus grands opéras de Vivaldi, Haendel, Monteverdi ainsi que quelques airs étranges et poétiques de Purcell.
Mathieu Salama (contre-ténor)
Imprégné de musique classique et de théâtre dès son plus jeune âge, Mathieu Salama s'est initié au chant lyrique, au piano et à la guitare pendant près de 7 ans au conservatoire de Livry-Gargan Il aura d'abord un coup de foudre pour la variété, inspiré par les plus grands comme Barbara, Brel, Piaf, Aznavour... Il y a 20 ans, il fonde CrescendoArt à Paris, une école de musique, se consacre principalement à l'enseignement du chant et crée une méthode de chant : « Fasila ». À l'occasion d'un voyage à Venise, tout bascule. Pourtant, rien ne le prédestinait à cette époque à s'orienter vers le chant lyrique. Le déclic se produit et la voie qui lui était destinée commence à se dessiner. Il décide de se former avec les meilleurs enseignants et c'est alors qu'il croise la route de Nicole Fallien, professeur du célèbre Philippe Jaroussky. Grâce à son aide pertinente et ses encouragements, Mathieu décide d'aller au bout de son rêve : devenir chanteur contre-ténor. Aujourd'hui travail et volonté se mêlent à sa passion pour l'étude du chant baroque, avec l'aide de ses professeurs Robert Expert, Christophe Carré et une formation avec Gerard Lesnes. Enfin, il peut dévoiler son talent de soliste contre ténor, accompagné d'un ensemble de musiciens spécialisé dans les œuvres du répertoire de musique ancienne. Coup de cœur Radio Classique pour la pièce musicale « Hommage aux Castrats », Mathieu Salama s'est aussi produit dans de très nombreux espaces prestigieux (Cathédrale Sainte-Réparate, Eglise de la Madeleine, Château de Maisons-Lafitte, Château d'Ecouen, Les Billettes, l'Oratoire du Louvre, Église Américaine, Église Saint Roch, Palais Lascaris , salle Cortot, Église Saint-germain-des-prés...) en tant que soliste. Il a également été l'invité de Sébastien Thomas sur France 3, obtenu le second prix au concours de chant international « Les Clés d'Or ». Après son troisième album « Résonances Baroques » sorti en 2016 et une tournée dans toute la France, Mathieu Salama nous présente en novembre 2018 « Vivaldi & Haendel ». Toujours à la recherche de nouveaux défis, le contre-ténor n'a pas hésité à ressusciter des airs qui appartiennent au répertoire des voix d'alto ou de soprano !
Olivier Pelmoine (théorbe , guitare baroque)
Avec déjà plus de cinq cent concerts à son actif, le guitariste et théorbiste Olivier Pelmoine, concertiste éclectique et pédagogue passionné, s'est inventé un chemin personnel nourri de ses expériences multiples. Diplômé du Conservatoire National Supérieur et de l'Ecole Normale de Musique à Paris, il est actuellement professeur au Conservatoire National de Région de Dijon et à l'École Supérieure de musique de Bourgogne Franche-Comté. Fondateur de l'association "Cordes d'Or", il est également directeur artistique du festival "Guitares à Dijon". Dédicataire de nombreuses oeuvres, fruits de ses rencontres et échanges qu'il tisse avec les compositeurs actuels, Olivier Pelmoine enregistre en solo et en duo, six albums pour le label Skarbo ,salués par la critique internationale.
Bruno Angé (viole de gambe)
Conteur, riche d'une expérience dans multiples domaines, jazz, chanson française, symphonique, Bruno Angé fait partager sa passion pour la viole de gambe avec enthousiasme. Diplômé du conservatoire d'Aubervilliers-La Courneuve en contrebasse, il décide dans les années 2000 de se consacrer à la viole de gambe. Impliqué dans le développement de l'accès à la musique pour tous, Bruno Angé fonde l'association Cadenza et développe des projets de fanfare, ateliers auprès d'enfants, organisation de concerts commentés, interventions auprès des scolaires. Il a à cœur de faire connaître la viole de Gambe et se produit dans des lieux porteurs pour l'instrument, chapelles, églises, châteaux, performances dans des ateliers d'artistes. Bruno initie le projet « La viole de gambe chez ... ce soir » en se produisant chez les particuliers. Il donne des concerts dans toute la France. Investi dans une recherche originale autour d'échanges, il travaille avec plusieurs disciplines artistiques, théâtre, danse contemporaine, arts plastiques. Bruno Angé joue sur une basse de viole Guy Derat, archet Jean Michel Philibert.
Arias baroque airs pour Farinelli
Concert de musique baroque avec Mathieu Salama, contre-ténor, Olivier Pelmoine, théorbe et guitare, et Bruno Angé, viole de gambe.
Présentation
Jeudi 13 février à 20h30
Tout public
Voyage dans l'Italie du 17e et 18e siècle.
Un moment magique avec la voix des anges. Un timbre de voix rare et envoutant pour une soirée de plénitude.
Arias Baroque est consacré à Vivaldi et Haendel, florilège d'airs, exprimant tour à tour, la joie, la mélancolie, les passions, la douleur, la folie, tissant le fil conducteur de ce voyage baroque.
Ces extraits sont tirés des plus grands opéras de Vivaldi, Haendel, Monteverdi ainsi que quelques airs étranges et poétiques de Purcell.
Mathieu Salama (contre-ténor)
Imprégné de musique classique et de théâtre dès son plus jeune âge, Mathieu Salama s'est initié au chant lyrique, au piano et à la guitare pendant près de 7 ans au conservatoire de Livry-Gargan Il aura d'abord un coup de foudre pour la variété, inspiré par les plus grands comme Barbara, Brel, Piaf, Aznavour... Il y a 20 ans, il fonde CrescendoArt à Paris, une école de musique, se consacre principalement à l'enseignement du chant et crée une méthode de chant : « Fasila ». À l'occasion d'un voyage à Venise, tout bascule. Pourtant, rien ne le prédestinait à cette époque à s'orienter vers le chant lyrique. Le déclic se produit et la voie qui lui était destinée commence à se dessiner. Il décide de se former avec les meilleurs enseignants et c'est alors qu'il croise la route de Nicole Fallien, professeur du célèbre Philippe Jaroussky. Grâce à son aide pertinente et ses encouragements, Mathieu décide d'aller au bout de son rêve : devenir chanteur contre-ténor. Aujourd'hui travail et volonté se mêlent à sa passion pour l'étude du chant baroque, avec l'aide de ses professeurs Robert Expert, Christophe Carré et une formation avec Gerard Lesnes. Enfin, il peut dévoiler son talent de soliste contre ténor, accompagné d'un ensemble de musiciens spécialisé dans les œuvres du répertoire de musique ancienne. Coup de cœur Radio Classique pour la pièce musicale « Hommage aux Castrats », Mathieu Salama s'est aussi produit dans de très nombreux espaces prestigieux (Cathédrale Sainte-Réparate, Eglise de la Madeleine, Château de Maisons-Lafitte, Château d'Ecouen, Les Billettes, l'Oratoire du Louvre, Église Américaine, Église Saint Roch, Palais Lascaris , salle Cortot, Église Saint-germain-des-prés...) en tant que soliste. Il a également été l'invité de Sébastien Thomas sur France 3, obtenu le second prix au concours de chant international « Les Clés d'Or ». Après son troisième album « Résonances Baroques » sorti en 2016 et une tournée dans toute la France, Mathieu Salama nous présente en novembre 2018 « Vivaldi & Haendel ». Toujours à la recherche de nouveaux défis, le contre-ténor n'a pas hésité à ressusciter des airs qui appartiennent au répertoire des voix d'alto ou de soprano !
Olivier Pelmoine (théorbe , guitare baroque)
Avec déjà plus de cinq cent concerts à son actif, le guitariste et théorbiste Olivier Pelmoine, concertiste éclectique et pédagogue passionné, s'est inventé un chemin personnel nourri de ses expériences multiples. Diplômé du Conservatoire National Supérieur et de l'Ecole Normale de Musique à Paris, il est actuellement professeur au Conservatoire National de Région de Dijon et à l'École Supérieure de musique de Bourgogne Franche-Comté. Fondateur de l'association "Cordes d'Or", il est également directeur artistique du festival "Guitares à Dijon". Dédicataire de nombreuses oeuvres, fruits de ses rencontres et échanges qu'il tisse avec les compositeurs actuels, Olivier Pelmoine enregistre en solo et en duo, six albums pour le label Skarbo ,salués par la critique internationale.
Bruno Angé (viole de gambe)
Conteur, riche d'une expérience dans multiples domaines, jazz, chanson française, symphonique, Bruno Angé fait partager sa passion pour la viole de gambe avec enthousiasme. Diplômé du conservatoire d'Aubervilliers-La Courneuve en contrebasse, il décide dans les années 2000 de se consacrer à la viole de gambe. Impliqué dans le développement de l'accès à la musique pour tous, Bruno Angé fonde l'association Cadenza et développe des projets de fanfare, ateliers auprès d'enfants, organisation de concerts commentés, interventions auprès des scolaires. Il a à cœur de faire connaître la viole de Gambe et se produit dans des lieux porteurs pour l'instrument, chapelles, églises, châteaux, performances dans des ateliers d'artistes. Bruno initie le projet « La viole de gambe chez ... ce soir » en se produisant chez les particuliers. Il donne des concerts dans toute la France. Investi dans une recherche originale autour d'échanges, il travaille avec plusieurs disciplines artistiques, théâtre, danse contemporaine, arts plastiques. Bruno Angé joue sur une basse de viole Guy Derat, archet Jean Michel Philibert.
La presse en a parlé
LE PARISIEN Mathieu Salama est un sopraniste. En France, ils ne sont qu'une poignée avec cette voix.
PARIS NOTRE-DAME Lorsque la voix de Mathieu Salama s'élève, pure et cristalline, on est immédiatement transporté plusieurs siècles en arrière. Le voyage dans le temps débute alors.
OUEST FRANCE Cet artiste érudit a présenté ce que sont les voix de tête, comme lui, contre-ténor. Mathieu Salama un moment trop rare ! Une voix inoubliable.
LE TÉLÉGRAMME Une voix si particulière, rare et envoûtante.
La presse en a parlé
LA TERRASSE Un bijou théâtral qui plonge dans le vécu d’une famille entre Paris et Téhéran.
L'OEIL D'OLIVIER 4211 km, L'histoire perçante de l'exil. Ce spectacle d’une grande qualité narrative, est servi par une mise scène et une l’interprétation magnifique. À voir de toute urgence ! (…) Et au vu de ce qui se passe en ce moment en Iran, il est plus que nécessaire, c’est même un devoir d’utilité public et humain, d’aller applaudir ce magnifique et bouleversant spectacle.
TÉLÉRAMA À partir de son histoire familiale, Aïla Navidi tisse un grand récit qui emporte et bouleverse, grâce à sa fluidité remarquable et à l’engagement des comédiens. Jusque dans les effets de mise en scène, tout est juste, savamment dosé et mû par une émotion retenue. De cette pudeur émane la beauté, mais aussi la force d’un combat pour la liberté, plus essentiel et d’actualité que jamais.
ÉTAT CRITIQUE Un témoignage fort touchant sur l’héritage et comment il est parfois difficile d’assumer sa mosaïque identitaire. Beaucoup d’émotions dans le public et sur le plateau
4211 KM
4 211 km c’est la distance entre Paris et Téhéran, celle parcourue par Mina et Fereydoun venus d’Iran pour se réfugier en France après une révolution qu’on leur a volée.
Présentation
Mardi 11 février à 20h30
Tout public à partir de 12 ans. Durée estimée : 1h30
4 211 km c’est la distance entre Paris et Téhéran, celle parcourue par Mina et Fereydoun venus d’Iran pour se réfugier en France après une révolution qu’on leur a volée.
Yalda, leur fille née à Paris, nous raconte leur vie exilée, leur combat pour la liberté, l'amour d'un pays et l'espoir d'un retour. Elle nous balade entre ses deux mondes : sa famille, des déracinés qui ne se plaignent jamais, et la société française dans laquelle elle cherche désespérément sa place.
C'est l'histoire d'un héritage que l'on aime et que l'on déteste, c'est l'histoire d'hommes et de femmes qui cherchent à se frayer un nouveau chemin. Alors qu'en Iran le peuple se révolte depuis plus d'un an, cette pièce nous éclaire sur la barbarie du régime islamique et témoigne du combat que mènent les Iraniens depuis plus de 44 ans - ceux qui ne sont plus là, ceux qui sont restés et les exilés.
Deux Molières 2024 : spectacle de théâtre privé et révélation féminine pour Olivia Pavlou-Graham
4211 KM
4 211 km c’est la distance entre Paris et Téhéran, celle parcourue par Mina et Fereydoun venus d’Iran pour se réfugier en France après une révolution qu’on leur a volée.
Présentation
Mardi 11 février à 20h30
Tout public à partir de 12 ans. Durée estimée : 1h30
4 211 km c’est la distance entre Paris et Téhéran, celle parcourue par Mina et Fereydoun venus d’Iran pour se réfugier en France après une révolution qu’on leur a volée.
Yalda, leur fille née à Paris, nous raconte leur vie exilée, leur combat pour la liberté, l'amour d'un pays et l'espoir d'un retour. Elle nous balade entre ses deux mondes : sa famille, des déracinés qui ne se plaignent jamais, et la société française dans laquelle elle cherche désespérément sa place.
C'est l'histoire d'un héritage que l'on aime et que l'on déteste, c'est l'histoire d'hommes et de femmes qui cherchent à se frayer un nouveau chemin. Alors qu'en Iran le peuple se révolte depuis plus d'un an, cette pièce nous éclaire sur la barbarie du régime islamique et témoigne du combat que mènent les Iraniens depuis plus de 44 ans - ceux qui ne sont plus là, ceux qui sont restés et les exilés.
Deux Molières 2024 : spectacle de théâtre privé et révélation féminine pour Olivia Pavlou-Graham
La presse en a parlé
LA TERRASSE Un bijou théâtral qui plonge dans le vécu d’une famille entre Paris et Téhéran.
L'OEIL D'OLIVIER 4211 km, L'histoire perçante de l'exil. Ce spectacle d’une grande qualité narrative, est servi par une mise scène et une l’interprétation magnifique. À voir de toute urgence ! (…) Et au vu de ce qui se passe en ce moment en Iran, il est plus que nécessaire, c’est même un devoir d’utilité public et humain, d’aller applaudir ce magnifique et bouleversant spectacle.
TÉLÉRAMA À partir de son histoire familiale, Aïla Navidi tisse un grand récit qui emporte et bouleverse, grâce à sa fluidité remarquable et à l’engagement des comédiens. Jusque dans les effets de mise en scène, tout est juste, savamment dosé et mû par une émotion retenue. De cette pudeur émane la beauté, mais aussi la force d’un combat pour la liberté, plus essentiel et d’actualité que jamais.
ÉTAT CRITIQUE Un témoignage fort touchant sur l’héritage et comment il est parfois difficile d’assumer sa mosaïque identitaire. Beaucoup d’émotions dans le public et sur le plateau
GÉOMÉTRIE VARIABLE
Géométrie Variable sème le trouble pour venir questionner notre sens critique et notre libre arbitre.
Présentation
Vendredi 7 février à 20h30
Tout public à partir de 10 ans. Durée estimée : 1h15
Dans une circulation autour d’expériences magiques, bousculant au passage notre rapport à la vérité, Géométrie Variable sème le trouble pour venir questionner notre sens critique et notre libre arbitre.
Matthieu Villatelle explore les mécanismes des fake news. Qu’est-ce qui fonde la véracité d’une information ? Comment créer une impression de vérité et partager de fausses informations ? Comment piéger l’esprit critique du spectateur ? Qu’est-ce qui peut venir influencer, modifier le prisme à travers lequel nous percevons le monde ? Comment détourner la réalité pour perturber la vision des faits ? Matthieu Villatelle utilise la magie comme prétexte pour aborder un thème important, et créer en chacun de nous un espace où faire surgir le doute.
GÉOMÉTRIE VARIABLE
Géométrie Variable sème le trouble pour venir questionner notre sens critique et notre libre arbitre.
Présentation
Vendredi 7 février à 20h30
Tout public à partir de 10 ans. Durée estimée : 1h15
Dans une circulation autour d’expériences magiques, bousculant au passage notre rapport à la vérité, Géométrie Variable sème le trouble pour venir questionner notre sens critique et notre libre arbitre.
Matthieu Villatelle explore les mécanismes des fake news. Qu’est-ce qui fonde la véracité d’une information ? Comment créer une impression de vérité et partager de fausses informations ? Comment piéger l’esprit critique du spectateur ? Qu’est-ce qui peut venir influencer, modifier le prisme à travers lequel nous percevons le monde ? Comment détourner la réalité pour perturber la vision des faits ? Matthieu Villatelle utilise la magie comme prétexte pour aborder un thème important, et créer en chacun de nous un espace où faire surgir le doute.
La presse en a parlé
HAPPY APOCALYPSE
Happy Apocalypse nous plonge dans un monde où chacun peut élever son clone personnel comme une plante verte, où la frontière entre humains et animaux s’estompe.
Présentation
Mardi 4 février à 20h30
Tout public à partir de 13 ans. Durée estimée : 1h40
CRÉATION
Une fantaisie jubilatoire naïve et foisonnante.
Partout l’on parle de décroissance et d’assèchement des ressources naturelles, pourtant les hommes n’ont jamais été aussi forts, aussi bien portants, aussi performants ni aussi nombreux. Comme si l’humanité s’accroissait aux dépend de tout le reste. Et si le mouvement s’inversait ?
Le transhumanisme, le clonage, les implants neuronaux ont fait de nous des êtres supérieurement puissants peut-être immortels. C’est dans cette atmosphère de film d’anticipation loufoque, où les gens changent d’organe comme on change d’opérateur téléphonique, que les personnages se disputent la meilleure manière de profiter du progrès scientifique avant l’extinction finale.
Happy Apocalypse nous plonge dans un monde furieusement festif, à l’esthétique psychédélique, où chacun peut élever son clone personnel comme une plante verte, où la frontière entre humains et animaux s’estompe.
Le corps humain devient le lieu de toutes les expérimentations d’une science mégalomane. La musique électro-pop, le burlesque et l’astrophysique s’y croisent à travers des personnages fantasques et un peu fous.
HAPPY APOCALYPSE
Happy Apocalypse nous plonge dans un monde où chacun peut élever son clone personnel comme une plante verte, où la frontière entre humains et animaux s’estompe.
Présentation
Mardi 4 février à 20h30
Tout public à partir de 13 ans. Durée estimée : 1h40
CRÉATION
Une fantaisie jubilatoire naïve et foisonnante.
Partout l’on parle de décroissance et d’assèchement des ressources naturelles, pourtant les hommes n’ont jamais été aussi forts, aussi bien portants, aussi performants ni aussi nombreux. Comme si l’humanité s’accroissait aux dépend de tout le reste. Et si le mouvement s’inversait ?
Le transhumanisme, le clonage, les implants neuronaux ont fait de nous des êtres supérieurement puissants peut-être immortels. C’est dans cette atmosphère de film d’anticipation loufoque, où les gens changent d’organe comme on change d’opérateur téléphonique, que les personnages se disputent la meilleure manière de profiter du progrès scientifique avant l’extinction finale.
Happy Apocalypse nous plonge dans un monde furieusement festif, à l’esthétique psychédélique, où chacun peut élever son clone personnel comme une plante verte, où la frontière entre humains et animaux s’estompe.
Le corps humain devient le lieu de toutes les expérimentations d’une science mégalomane. La musique électro-pop, le burlesque et l’astrophysique s’y croisent à travers des personnages fantasques et un peu fous.
La presse en a parlé
La presse en a parlé
LE FIGAROSCOPE Thierry Bilisko prouve qu’il a le coffre pour porter toute l’humanité du roman de Steinbeck.
A VOIR A LIRE L’histoire et le spectacle contribuent à la sensibilisation du grand public au handicap, à la déficience intellectuelle, à l’inadaptation des sociétés qui se succèdent et se ressemblent.
LAMUSE.NET Vous avez adoré le livre, venez le redécouvrir "en life" et en famille !
Une bouleversante adaptation de l’un des romans les plus célèbres de la littérature américaine. Un coup de projecteur qui fait revivre l'œuvre de Steinbeck à travers le drame de Georges et Lenny ! À voir sans hésiter !
FOU DE THÉÂTRE L’atmosphère très particulière du livre est parfaitement rendue et ce spectacle, extrêmement visuel, est vraiment puissant et émouvant.
DES SOURIS ET DES HOMMES
Une histoire d’amitié bouleversante dans l’Amérique des années trente.
Présentation
Vendredi 31 janvier à 20h30
Tout public à partir de 10 ans. Durée estimée : 1h15
D’après le roman de John Steinbeck.
Une histoire d’amitié bouleversante dans l’Amérique des années trente.
Californie, milieu des années trente. Comme des milliers de travailleurs ballottés par la crise économique, deux amis, George et Lennie, sont réduits à mener une vie d’errance, louant leurs bras d’une exploitation agricole à l’autre. Ils n’ont qu’un rêve : posséder un jour leur propre ferme, y vivre « comme des rentiers », et être libres.
Adaptation du chef-d’œuvre de Steinbeck à la fois très fidèle et tout à fait originale pour un comédien, une danseuse, un musicien et de la vidéo.
AUTOUR DU SPECTACLE
EXPOSITION
DES SOURIS ET DES HOMMES,
dessins originaux de Rébecca Dautremer.
Du 23 janvier au 5 février
Mezzanine du Théâtre. Entrée libre du mardi au samedi de 11h à 18h.
DES SOURIS ET DES HOMMES
Une histoire d’amitié bouleversante dans l’Amérique des années trente.
Présentation
Vendredi 31 janvier à 20h30
Tout public à partir de 10 ans. Durée estimée : 1h15
D’après le roman de John Steinbeck.
Une histoire d’amitié bouleversante dans l’Amérique des années trente.
Californie, milieu des années trente. Comme des milliers de travailleurs ballottés par la crise économique, deux amis, George et Lennie, sont réduits à mener une vie d’errance, louant leurs bras d’une exploitation agricole à l’autre. Ils n’ont qu’un rêve : posséder un jour leur propre ferme, y vivre « comme des rentiers », et être libres.
Adaptation du chef-d’œuvre de Steinbeck à la fois très fidèle et tout à fait originale pour un comédien, une danseuse, un musicien et de la vidéo.
AUTOUR DU SPECTACLE
EXPOSITION
DES SOURIS ET DES HOMMES,
dessins originaux de Rébecca Dautremer.
Du 23 janvier au 5 février
Mezzanine du Théâtre. Entrée libre du mardi au samedi de 11h à 18h.
La presse en a parlé
LE FIGAROSCOPE Thierry Bilisko prouve qu’il a le coffre pour porter toute l’humanité du roman de Steinbeck.
A VOIR A LIRE L’histoire et le spectacle contribuent à la sensibilisation du grand public au handicap, à la déficience intellectuelle, à l’inadaptation des sociétés qui se succèdent et se ressemblent.
LAMUSE.NET Vous avez adoré le livre, venez le redécouvrir "en life" et en famille !
Une bouleversante adaptation de l’un des romans les plus célèbres de la littérature américaine. Un coup de projecteur qui fait revivre l'œuvre de Steinbeck à travers le drame de Georges et Lenny ! À voir sans hésiter !
FOU DE THÉÂTRE L’atmosphère très particulière du livre est parfaitement rendue et ce spectacle, extrêmement visuel, est vraiment puissant et émouvant.
AJA MONET & DAVE DOUGLAS
aja monet & Dave Douglas en concert dans le cadre du Festival Sons d'hiver 2025.
Présentation
Dimanche 26 janvier à 17h
Tout public. Durée estimée : 2h15 (avec entracte)
aja monet
Nouvelle voix charismatique d’une Amérique engagée sur le chemin de la justice et de la joie, aja monet a publié en 2023 un premier album somptueux, when the poems do what they do. Rythme et poésie, textes déclamés avec une énergie douce et ferme, mélodies et arrangements enveloppants (batterie, percussions, flûte, piano, harpe, contrebasse et trompette) y dessinent un spiritual jazz teinté de soul et de blues.
Poétesse, autrice de quatre livres, aja monet prolonge avec ce disque un travail d’écriture et un engagement politique aux côtés de la communauté afro-américaine, initiés au milieu des années 2000 à New York, où elle collabore avec Saul Williams, et poursuivi à Miami puis Los Angeles, où elle vit aujourd’hui.
DAVE DOUGLAS GIFTS TRIO
Dans chacun de ses orchestres, le trompettiste américain, compositeur et pédagogue de renommée internationale Dave Douglas s’amuse avec les références du jazz, les convoquant de manière créative comme des vestiges ou des objets trouvés, ayant lui-même traversé tous les gués de l’histoire du jazz, du bop à l’avant-garde, de Horace Silver à John Zorn.
Inspiré par la vie et la musique de Charles Lloyd, Gifts Trio réfléchit de manière innovante sur la sagesse, la vision et la positivité du compositeur et saxophoniste, explorant notamment la fascination de Lloyd pour la musique de Billy Strayhorn. Le son du trio se concentre sur la forme de la chanson, mettant l’accent sur l’amélioration de la texture et du timbre au service de chaque chanson.
Pour cette occasion, Douglas sera rejoint par deux des musiciennes les plus innovantes du paysage actuel, la guitariste Camilla Meza et la batteuse Kate Gentile, toutes deux maîtres de la dynamique et de l’intensité.
AJA MONET & DAVE DOUGLAS
aja monet & Dave Douglas en concert dans le cadre du Festival Sons d'hiver 2025.
Présentation
Dimanche 26 janvier à 17h
Tout public. Durée estimée : 2h15 (avec entracte)
aja monet
Nouvelle voix charismatique d’une Amérique engagée sur le chemin de la justice et de la joie, aja monet a publié en 2023 un premier album somptueux, when the poems do what they do. Rythme et poésie, textes déclamés avec une énergie douce et ferme, mélodies et arrangements enveloppants (batterie, percussions, flûte, piano, harpe, contrebasse et trompette) y dessinent un spiritual jazz teinté de soul et de blues.
Poétesse, autrice de quatre livres, aja monet prolonge avec ce disque un travail d’écriture et un engagement politique aux côtés de la communauté afro-américaine, initiés au milieu des années 2000 à New York, où elle collabore avec Saul Williams, et poursuivi à Miami puis Los Angeles, où elle vit aujourd’hui.
DAVE DOUGLAS GIFTS TRIO
Dans chacun de ses orchestres, le trompettiste américain, compositeur et pédagogue de renommée internationale Dave Douglas s’amuse avec les références du jazz, les convoquant de manière créative comme des vestiges ou des objets trouvés, ayant lui-même traversé tous les gués de l’histoire du jazz, du bop à l’avant-garde, de Horace Silver à John Zorn.
Inspiré par la vie et la musique de Charles Lloyd, Gifts Trio réfléchit de manière innovante sur la sagesse, la vision et la positivité du compositeur et saxophoniste, explorant notamment la fascination de Lloyd pour la musique de Billy Strayhorn. Le son du trio se concentre sur la forme de la chanson, mettant l’accent sur l’amélioration de la texture et du timbre au service de chaque chanson.
Pour cette occasion, Douglas sera rejoint par deux des musiciennes les plus innovantes du paysage actuel, la guitariste Camilla Meza et la batteuse Kate Gentile, toutes deux maîtres de la dynamique et de l’intensité.
La presse en a parlé
Étonnez vos oreilles > Rituels électriques
Ce concert-performance se construit autour de deux créations originales pour guitare électrique.
Présentation
Samedi 18 janvier à 16h
Tout public à partir de 6 ans. Durée estimée : 2h
Le concert à 16h
Né de la rencontre entre le guitariste Rémy Reber et les compositeurs latino-américains Daniel Alvarado Bonilla (Colombie) et Luciano Leite Barbosa (Brésil), ce concert-performance se construit autour de deux créations originales pour guitare électrique.
Ces deux pièces développent, chacune à sa manière, une temporalité, une architecture ainsi que des couleurs qui créent un univers étrangement englobant et incantatoire. Le programme, ainsi constitué, inclut également quelques pièces réarrangées et recontextualisées de musique ancienne, invitant le spectateur à un parcours onirique et électrisé.
Ce concert met en scène la singulière versatilité de cet instrument, tantôt déployant avec finesse et poésie sa palette de sonorités acoustiques, tantôt augmentée par la puissance hybride et a priori illimitée des traitements analogiques et électroniques.
Ce projet est né au sein de Listen Hub, un écosystème artistique et collaboratif porté par Rafaël Carosi.
L’atelier à 17h15
Le guitariste Rémy Reber invitera le public à créer des espaces sonores improvisés en utilisant un looper (dispositif électronique qui enregistre des segments audio et les répète en boucle) et divers effets (delay, reverb, overdrive, freeze).
Les sons seront ensuite transformés pour servir de base à de nouvelles improvisations. Les participants ayant une petite expérience de guitare pourront ajouter des modes de jeu traditionnels, tandis que les autres pourront expérimenter avec des frottements, des percussions, des grattements ou des notes non tempérées. Le micro permettra également d'utiliser le corps, la voix, des textes, ou de petits objets sonores.
Étonnez vos oreilles > Rituels électriques
Ce concert-performance se construit autour de deux créations originales pour guitare électrique.
Présentation
Samedi 18 janvier à 16h
Tout public à partir de 6 ans. Durée estimée : 2h
Le concert à 16h
Né de la rencontre entre le guitariste Rémy Reber et les compositeurs latino-américains Daniel Alvarado Bonilla (Colombie) et Luciano Leite Barbosa (Brésil), ce concert-performance se construit autour de deux créations originales pour guitare électrique.
Ces deux pièces développent, chacune à sa manière, une temporalité, une architecture ainsi que des couleurs qui créent un univers étrangement englobant et incantatoire. Le programme, ainsi constitué, inclut également quelques pièces réarrangées et recontextualisées de musique ancienne, invitant le spectateur à un parcours onirique et électrisé.
Ce concert met en scène la singulière versatilité de cet instrument, tantôt déployant avec finesse et poésie sa palette de sonorités acoustiques, tantôt augmentée par la puissance hybride et a priori illimitée des traitements analogiques et électroniques.
Ce projet est né au sein de Listen Hub, un écosystème artistique et collaboratif porté par Rafaël Carosi.
L’atelier à 17h15
Le guitariste Rémy Reber invitera le public à créer des espaces sonores improvisés en utilisant un looper (dispositif électronique qui enregistre des segments audio et les répète en boucle) et divers effets (delay, reverb, overdrive, freeze).
Les sons seront ensuite transformés pour servir de base à de nouvelles improvisations. Les participants ayant une petite expérience de guitare pourront ajouter des modes de jeu traditionnels, tandis que les autres pourront expérimenter avec des frottements, des percussions, des grattements ou des notes non tempérées. Le micro permettra également d'utiliser le corps, la voix, des textes, ou de petits objets sonores.
La presse en a parlé
La presse en a parlé
LA TERRASSE L’écriture musicale au plateau, que le compositeur n’avait jusqu’alors jamais pratiquée, renouvelle l’alchimie entre les mots et les notes. Cette attention à la poésie et à la souplesse de l’interprétation s’inscrit au cœur du projet défendu par Christophe Laluque au Théâtre Dunois : "Mon bel oranger condense les grandes lignes d’une programmation qui veut faire réentendre des grandes œuvres parfois négligées et les rendre accessibles à tous les publics. Je n’ai jamais eu le sentiment de faire du théâtre pour enfants, mais avec les enfants".
ALIGRE FM 93.1 Un spectacle de théâtre musical émouvant, élégant, poétique, tout en harmonie. Cinq interprètes racontent, la parole glissant de l’un à l’autre, les musiciens n’étant pas en reste puisqu’ils sont placés au centre, prenant parfois eux aussi la parole. La musique, intense, expressive, se fait entendre tout autant que les mots ou que les chansons chantées en v.o., en portugais donc, qui se glissent régulièrement dans le spectacle comme elles le font dans le roman. La scénographie, sobre et inventive, et les lumières couleur terre viennent embellir encore la poésie du texte
MON BEL ORANGER
Fresque musicale où les musiques croisent chants brésiliens traditionnels et compositions contemporaines propres à révéler toute la richesse culturelle de ce pays.
Présentation
Vendredi 17 janvier à 20h30
Tout public à partir de 9 ans. Durée estimée : 1h
Dans les rues de Rio, Zézé, un petit garçon, essaie de trouver sa place. Face à la violence du monde, son imagination devient son refuge et son intelligence, sa force. Il se lie d’amitié avec un pied d’oranges qui sera pour lui un confident et une échappatoire merveilleuse. Auprès de lui, il apprendra la tendresse, l’amitié, mais aussi la douleur et le deuil. Loin des clichés sur l’insouciance, le portrait de Zézé sonde les profondeurs d’une enfance complexe.
L’Amin Théâtre et l’Ensemble Almaviva s’associent pour créer une véritable fresque musicale à partir du roman de José Mauro de Vasconcelos.
Sur scène, deux comédiens incarnent tour à tour l’ensemble des personnages. Les trois musiciens qui les accompagnent croisent les musiques et chants brésiliens traditionnels avec une composition électronique et contemporaine propre à révéler toute la richesse culturelle de ce pays.
MON BEL ORANGER
Fresque musicale où les musiques croisent chants brésiliens traditionnels et compositions contemporaines propres à révéler toute la richesse culturelle de ce pays.
Présentation
Vendredi 17 janvier à 20h30
Tout public à partir de 9 ans. Durée estimée : 1h
Dans les rues de Rio, Zézé, un petit garçon, essaie de trouver sa place. Face à la violence du monde, son imagination devient son refuge et son intelligence, sa force. Il se lie d’amitié avec un pied d’oranges qui sera pour lui un confident et une échappatoire merveilleuse. Auprès de lui, il apprendra la tendresse, l’amitié, mais aussi la douleur et le deuil. Loin des clichés sur l’insouciance, le portrait de Zézé sonde les profondeurs d’une enfance complexe.
L’Amin Théâtre et l’Ensemble Almaviva s’associent pour créer une véritable fresque musicale à partir du roman de José Mauro de Vasconcelos.
Sur scène, deux comédiens incarnent tour à tour l’ensemble des personnages. Les trois musiciens qui les accompagnent croisent les musiques et chants brésiliens traditionnels avec une composition électronique et contemporaine propre à révéler toute la richesse culturelle de ce pays.
La presse en a parlé
LA TERRASSE L’écriture musicale au plateau, que le compositeur n’avait jusqu’alors jamais pratiquée, renouvelle l’alchimie entre les mots et les notes. Cette attention à la poésie et à la souplesse de l’interprétation s’inscrit au cœur du projet défendu par Christophe Laluque au Théâtre Dunois : "Mon bel oranger condense les grandes lignes d’une programmation qui veut faire réentendre des grandes œuvres parfois négligées et les rendre accessibles à tous les publics. Je n’ai jamais eu le sentiment de faire du théâtre pour enfants, mais avec les enfants".
ALIGRE FM 93.1 Un spectacle de théâtre musical émouvant, élégant, poétique, tout en harmonie. Cinq interprètes racontent, la parole glissant de l’un à l’autre, les musiciens n’étant pas en reste puisqu’ils sont placés au centre, prenant parfois eux aussi la parole. La musique, intense, expressive, se fait entendre tout autant que les mots ou que les chansons chantées en v.o., en portugais donc, qui se glissent régulièrement dans le spectacle comme elles le font dans le roman. La scénographie, sobre et inventive, et les lumières couleur terre viennent embellir encore la poésie du texte
CONCILIABULE
Conciliabule propose de plonger au cœur de la communication non verbale à travers une forme poétique mêlant danse, chansigne et musique.
Présentation
Mercredi 11 décembre à 14h30
Tout public à partir de 3 ans. Durée estimée : 35 minutes
Conciliabule propose de plonger au cœur de la communication non verbale à travers une forme poétique mêlant danse, chansigne et musique.
Dans une bulle d’espace et de temps, deux créatures émergent, comme suspendues au souffle de la vie. Alors, l’air et les matières rentrent en vibration, participant à l’élaboration d’un langage corporel.
Couronné ou non de succès, communiquer n’est-ce pas d’abord essayer ?
La gestuelle et l'attitude corporelle du duo sont déterminantes dans la relation à l’autre et, si la parole peut mentir, les postures, gestes ou mimiques agissent comme autant de vecteurs inconscients de nos émotions.
Oscillant entre musique, danse, théâtre visuel et langue des signes, ce duo interroge notre relation à la nature et à l’essence de l’autre.
CONCILIABULE
Conciliabule propose de plonger au cœur de la communication non verbale à travers une forme poétique mêlant danse, chansigne et musique.
Présentation
Mercredi 11 décembre à 14h30
Tout public à partir de 3 ans. Durée estimée : 35 minutes
Conciliabule propose de plonger au cœur de la communication non verbale à travers une forme poétique mêlant danse, chansigne et musique.
Dans une bulle d’espace et de temps, deux créatures émergent, comme suspendues au souffle de la vie. Alors, l’air et les matières rentrent en vibration, participant à l’élaboration d’un langage corporel.
Couronné ou non de succès, communiquer n’est-ce pas d’abord essayer ?
La gestuelle et l'attitude corporelle du duo sont déterminantes dans la relation à l’autre et, si la parole peut mentir, les postures, gestes ou mimiques agissent comme autant de vecteurs inconscients de nos émotions.
Oscillant entre musique, danse, théâtre visuel et langue des signes, ce duo interroge notre relation à la nature et à l’essence de l’autre.
La presse en a parlé
Étonnez vos oreilles > Exótica
Le compositeur argentin Mauricio Kagel imagine Exótica comme une œuvre musicale qui porte un regard sur des cultures extra-européennes.
Présentation
Samedi 7 décembre à 16h
Tout public à partir de 6 ans. Durée estimée : 2h
Le concert à 16h
Le compositeur argentin Mauricio Kagel imagine Exótica comme une œuvre musicale qui porte un regard sur des cultures extra-européennes.
Forts de leur intérêt pour ces musiques lointaines, et membre de l'Ensemble Almaviva, le percussionniste Maxime Échardour invite Roméo Monteiro pour une aventure qui mêle des instruments extraordinaires de l’Inde et d’Indonésie, navigant entre musiques de tradition et musiques de création.
S'étant rendus ensemble dans ces régions de l’Asie, ils ont imaginé un programme de concert qui fera autant voyager en sonorités exotiques qu'en immersion dans la musique d'aujourd'hui.
L’atelier à 17h15
Les percussionnistes inviteront les participants à découvrir la musique de Bali à travers la création d'un cecak, pratique vocale singulière visant à reproduire les sonorités d'un gamelan (ensemble instrumental traditionnel indonésien, composé principalement de percussions métalliques) et d'un morceau de musique traditionnelle.
Étonnez vos oreilles > Exótica
Le compositeur argentin Mauricio Kagel imagine Exótica comme une œuvre musicale qui porte un regard sur des cultures extra-européennes.
Présentation
Samedi 7 décembre à 16h
Tout public à partir de 6 ans. Durée estimée : 2h
Le concert à 16h
Le compositeur argentin Mauricio Kagel imagine Exótica comme une œuvre musicale qui porte un regard sur des cultures extra-européennes.
Forts de leur intérêt pour ces musiques lointaines, et membre de l'Ensemble Almaviva, le percussionniste Maxime Échardour invite Roméo Monteiro pour une aventure qui mêle des instruments extraordinaires de l’Inde et d’Indonésie, navigant entre musiques de tradition et musiques de création.
S'étant rendus ensemble dans ces régions de l’Asie, ils ont imaginé un programme de concert qui fera autant voyager en sonorités exotiques qu'en immersion dans la musique d'aujourd'hui.
L’atelier à 17h15
Les percussionnistes inviteront les participants à découvrir la musique de Bali à travers la création d'un cecak, pratique vocale singulière visant à reproduire les sonorités d'un gamelan (ensemble instrumental traditionnel indonésien, composé principalement de percussions métalliques) et d'un morceau de musique traditionnelle.
La presse en a parlé
La presse en a parlé
LE JOURNAL DU DIMANCHE Il dit écrire des "chansons simples", baignées d’une poésie jamais prétentieuse ni absconse. Et ça dure depuis quarante ans. (...) Chroniqueur de l’intime et de son époque, Chedid chante l’amour grisant ou fané, l’absurdité de la guerre, l’obscénité de la presse à scandale, la magie d’un coucher de soleil et l’amour de son prochain. Avec simplicité et profondeur.
LOUIS CHEDID > complet
Louis Chedid se prépare à sortir un nouvel album à l’automne 2024. Il repart en tournée avec une nouvelle formation musicale.
Présentation
Vendredi 29 novembre à 20h30 COMPLET
Tout public.
Après une parenthèse enchantée aux côtés d’Yvan Cassar lors d’une tournée piano-voix encensée par le public et la critique, Louis Chedid se prépare à sortir un nouvel album à l’automne 2024.
Il repart en tournée avec une nouvelle formation musicale.
LOUIS CHEDID > complet
Louis Chedid se prépare à sortir un nouvel album à l’automne 2024. Il repart en tournée avec une nouvelle formation musicale.
Présentation
Vendredi 29 novembre à 20h30 COMPLET
Tout public.
Après une parenthèse enchantée aux côtés d’Yvan Cassar lors d’une tournée piano-voix encensée par le public et la critique, Louis Chedid se prépare à sortir un nouvel album à l’automne 2024.
Il repart en tournée avec une nouvelle formation musicale.
La presse en a parlé
LE JOURNAL DU DIMANCHE Il dit écrire des "chansons simples", baignées d’une poésie jamais prétentieuse ni absconse. Et ça dure depuis quarante ans. (...) Chroniqueur de l’intime et de son époque, Chedid chante l’amour grisant ou fané, l’absurdité de la guerre, l’obscénité de la presse à scandale, la magie d’un coucher de soleil et l’amour de son prochain. Avec simplicité et profondeur.
La presse en a parlé
TÉLÉRAMA Un théâtre d’objets connectés qui a l’âme et la spontanéité des jeux d’enfants.
CENTRE FRANCE Track, un spectacle qui couronne trois ans de travail, marque la rencontre du rail et de la poésie, avec ici ou là une touche de groove juvénile comme en un mix des frères Jacques et de Massive Attack. Tout se passe au fil d’un circuit où cheminent et s’entrecroisent des p’tits trains électriques. Une loco d’autrefois siffle, une autre fait tchou-tchou, des wagons grincent, des barrières s’ouvrent et se referment en mesure, le tout piloté par un grand escogriffe lunaire pas racontable, aiguilleur complètement dépassé par ses convois loufoques aux trajectoires bizarres. Track, "objet sonore et visuel" du tonnerre.
TRACK
Track, objets sonores connectés, petits trains et human beatbox, est un spectacle tout public dès 3 ans
Présentation
Samedi 23 novembre à 11h et 16h
Tout public à partir de 3 ans. Durée estimée : 45 minutes
L’enfance et la gamme des émotions humaines.
Il entre avec sa locomotive sous le bras, dans sa cabane-atelier, son havre à lui.
C’est là qu’il s’est fabriqué un monde, une base arrière d’où il peut s’évader sans bouger. Parce que lui, ce qu’il aime c’est être entouré de sons, de mouvements et d’histoires qu’il s’invente.
Alors il trace des pistes et monte des circuits où il dépose des petits trains à moteur, pour que ça tourne, à l’infini. Avec sa bouche et sa voix, il leur fabrique des voyages, ouvre des espaces et des chemins sonores et laisse son empreinte vocale se déployer et flotter comme la fumée de ses locos. Il aiguille et tente de ne pas dérailler.
Répétition après répétition, boucle après boucle, le voici qui s’aventure un peu plus, se risquant, sans en avoir l’air, dans de téméraires et sensibles aventures.
Un circuit géant de trains électriques : ses passages à niveau, ses aiguillages, ses tunnels et ses ponts. Et sa musique : le cliquetis du démarrage de la locomotive, le chuintement des wagons dans les virages, leur sifflement dans les descentes et le tchou-tchou évidemment !
Imaginez plusieurs trains comme autant d’instruments, le rythme des barrières, levées, baissées, faisant office de baguettes de batterie, ajoutez un musicien-beatbox et vous aurez une petite idée de Track, cet objet sonore et visuel conçu pour les petits, qui émerveillera aussi les grands.
Lire l'article paru dans le Nogent mag 155-nov/dec 2024 (pdf-221 Ko)
AUTOUR DU SPECTACLE
ESPACE MÉDIATION
Mezzanine du Théâtre.
Samedi 23 octobre après le spectacle.
Pour prolonger l’expérience et jouer librement (caisses de jeux, petits trains et livre) avec l’équipe artistique.
TRACK
Track, objets sonores connectés, petits trains et human beatbox, est un spectacle tout public dès 3 ans
Présentation
Samedi 23 novembre à 11h et 16h
Tout public à partir de 3 ans. Durée estimée : 45 minutes
L’enfance et la gamme des émotions humaines.
Il entre avec sa locomotive sous le bras, dans sa cabane-atelier, son havre à lui.
C’est là qu’il s’est fabriqué un monde, une base arrière d’où il peut s’évader sans bouger. Parce que lui, ce qu’il aime c’est être entouré de sons, de mouvements et d’histoires qu’il s’invente.
Alors il trace des pistes et monte des circuits où il dépose des petits trains à moteur, pour que ça tourne, à l’infini. Avec sa bouche et sa voix, il leur fabrique des voyages, ouvre des espaces et des chemins sonores et laisse son empreinte vocale se déployer et flotter comme la fumée de ses locos. Il aiguille et tente de ne pas dérailler.
Répétition après répétition, boucle après boucle, le voici qui s’aventure un peu plus, se risquant, sans en avoir l’air, dans de téméraires et sensibles aventures.
Un circuit géant de trains électriques : ses passages à niveau, ses aiguillages, ses tunnels et ses ponts. Et sa musique : le cliquetis du démarrage de la locomotive, le chuintement des wagons dans les virages, leur sifflement dans les descentes et le tchou-tchou évidemment !
Imaginez plusieurs trains comme autant d’instruments, le rythme des barrières, levées, baissées, faisant office de baguettes de batterie, ajoutez un musicien-beatbox et vous aurez une petite idée de Track, cet objet sonore et visuel conçu pour les petits, qui émerveillera aussi les grands.
Lire l'article paru dans le Nogent mag 155-nov/dec 2024 (pdf-221 Ko)
AUTOUR DU SPECTACLE
ESPACE MÉDIATION
Mezzanine du Théâtre.
Samedi 23 octobre après le spectacle.
Pour prolonger l’expérience et jouer librement (caisses de jeux, petits trains et livre) avec l’équipe artistique.
La presse en a parlé
TÉLÉRAMA Un théâtre d’objets connectés qui a l’âme et la spontanéité des jeux d’enfants.
CENTRE FRANCE Track, un spectacle qui couronne trois ans de travail, marque la rencontre du rail et de la poésie, avec ici ou là une touche de groove juvénile comme en un mix des frères Jacques et de Massive Attack. Tout se passe au fil d’un circuit où cheminent et s’entrecroisent des p’tits trains électriques. Une loco d’autrefois siffle, une autre fait tchou-tchou, des wagons grincent, des barrières s’ouvrent et se referment en mesure, le tout piloté par un grand escogriffe lunaire pas racontable, aiguilleur complètement dépassé par ses convois loufoques aux trajectoires bizarres. Track, "objet sonore et visuel" du tonnerre.
MOSAÏQUE
Danse. Mosaïque vous invite à regarder à travers la fenêtre de l’introspection, à explorer la riche tapisserie de l’expérience humaine.
Présentation
Vendredi 15 et samedi 16 novembre à 20h30
Tout public.
CRÉATION
En chacun de nous se trouve une mosaïque d'expériences, une riche tapisserie tissée à partir des innombrables émotions et moments qui définissent notre existence. Certains sont vivement éclairés, tandis que d'autres restent délicatement cachés dans l'ombre.
Mosaïque offre une rare invitation à plonger dans cette profonde introspection, explorant la complexité de la condition humaine.
Ce programme présente un mélange magistral de genres artistiques, conçu par Nicolas Fiery et Sofía Forero, qui prend vie sur scène grâce à leur compagnie new-yorkaise et à des artistes invités estimés.
Pour une première européenne très attendue, Nicolas Fiery revient dans sa région natale et dévoile les œuvres évocatrices qu'il a créées depuis 2017.
Rejoignez-nous pour une soirée inoubliable, où chaque mouvement révèle un aperçu de notre humanité collective.
Lire l'article paru dans le Nogent Mag 155-nov/dec 2024
(ko)
PROGRAMME
1. Are we ? (2019)
Chorégraphes : Sofía Forero & Nicolas Fiery / Poème : Nicolas Fiery & Sofía Forero
Danse sur un poème écrit par les deux artistes.
2. Sonder (Première mondiale)
Choréographe : Nicolas Fiery / Musique : Lokua Kanza, Emili Muli / Voice : Nicolas Fiery
3. How long (2020)
Chorégraphes : Nicolas Fiery & Breana Moore / Musique : Kamyl Bogan
4. Paul-Marie Kuzma
Interlude musical accompagné par des danseurs en improvisation.
5. World dance sessions (extraits)
Chorégraphe : Nicolas Fiery / Musique : Scott Morehouse
6. Gray (2018)
Chorégraphe : Sofía Forero / Musique : The Dhol Foundation
7. Babel (Première mondiale)
Chorégraphes : Nicolas Fiery & Sofía Forero / Adaptation du poème de Pablo Neruda : Sofía Forero & Nicolas Fiery /Voix : Alejandro Tellez, Valentina Roa / Ingénieur Son : Jairo Paz / Musiques : Gustavo Santaolalla, Ryuichi Sakamoto, Jaques Morelenbaum, Everton
Nelson. Adaptation/ Producteur : Arturo Angarita
8. Dis-connected (2020)
Chorégraphie : Sofía Forero / Musique : edIT
9. Brotherise (2021)
Chorégraphe : Nicolas Fiery / Musique : Paul-Marie Kuzma, Balthazar Ruff /Costumes : Gabrielle Corrigan.
10. En honor a CADA VIDa (2023)
Chorégraphe : Sofía Forero / Musiques : Gustavo Santaolalla, Monsieur Periné, Nâaman
Commisionnée par New York Foundation for the Arts. Cette pièce rend hommage à Andrés Cadavid.
Exposition d’art
Geneviève Rault nous fera le plaisir de partager ses œuvres à l’occasion de Mosaïque, lors d’une exposition en libre accès aux spectateurs avant et après le spectacle ainsi que pendant l’entracte. La sélection des œuvres a été pensée en lien avec le programme chorégraphique, car elles aussi donnent un aperçu de notre humanité commune.
Geneviève sera présente et accompagnée d’un musicien ; l’exposition sera divisée en quatre sections :
- Les Collaborations entre Nicolas Fiery et Geneviève Rault,
- Éléments Naturels,
- Dessins et Croquis de corps et/en mouvements,
- Et une section autour du thème de l’Eau.
MOSAÏQUE
Danse. Mosaïque vous invite à regarder à travers la fenêtre de l’introspection, à explorer la riche tapisserie de l’expérience humaine.
Présentation
Vendredi 15 et samedi 16 novembre à 20h30
Tout public.
CRÉATION
En chacun de nous se trouve une mosaïque d'expériences, une riche tapisserie tissée à partir des innombrables émotions et moments qui définissent notre existence. Certains sont vivement éclairés, tandis que d'autres restent délicatement cachés dans l'ombre.
Mosaïque offre une rare invitation à plonger dans cette profonde introspection, explorant la complexité de la condition humaine.
Ce programme présente un mélange magistral de genres artistiques, conçu par Nicolas Fiery et Sofía Forero, qui prend vie sur scène grâce à leur compagnie new-yorkaise et à des artistes invités estimés.
Pour une première européenne très attendue, Nicolas Fiery revient dans sa région natale et dévoile les œuvres évocatrices qu'il a créées depuis 2017.
Rejoignez-nous pour une soirée inoubliable, où chaque mouvement révèle un aperçu de notre humanité collective.
Lire l'article paru dans le Nogent Mag 155-nov/dec 2024 (ko)
PROGRAMME
1. Are we ? (2019)
Chorégraphes : Sofía Forero & Nicolas Fiery / Poème : Nicolas Fiery & Sofía Forero
Danse sur un poème écrit par les deux artistes.
2. Sonder (Première mondiale)
Choréographe : Nicolas Fiery / Musique : Lokua Kanza, Emili Muli / Voice : Nicolas Fiery
3. How long (2020)
Chorégraphes : Nicolas Fiery & Breana Moore / Musique : Kamyl Bogan
4. Paul-Marie Kuzma
Interlude musical accompagné par des danseurs en improvisation.
5. World dance sessions (extraits)
Chorégraphe : Nicolas Fiery / Musique : Scott Morehouse
6. Gray (2018)
Chorégraphe : Sofía Forero / Musique : The Dhol Foundation
7. Babel (Première mondiale)
Chorégraphes : Nicolas Fiery & Sofía Forero / Adaptation du poème de Pablo Neruda : Sofía Forero & Nicolas Fiery /Voix : Alejandro Tellez, Valentina Roa / Ingénieur Son : Jairo Paz / Musiques : Gustavo Santaolalla, Ryuichi Sakamoto, Jaques Morelenbaum, Everton
Nelson. Adaptation/ Producteur : Arturo Angarita
8. Dis-connected (2020)
Chorégraphie : Sofía Forero / Musique : edIT
9. Brotherise (2021)
Chorégraphe : Nicolas Fiery / Musique : Paul-Marie Kuzma, Balthazar Ruff /Costumes : Gabrielle Corrigan.
10. En honor a CADA VIDa (2023)
Chorégraphe : Sofía Forero / Musiques : Gustavo Santaolalla, Monsieur Periné, Nâaman
Commisionnée par New York Foundation for the Arts. Cette pièce rend hommage à Andrés Cadavid.
Exposition d’art
Geneviève Rault nous fera le plaisir de partager ses œuvres à l’occasion de Mosaïque, lors d’une exposition en libre accès aux spectateurs avant et après le spectacle ainsi que pendant l’entracte. La sélection des œuvres a été pensée en lien avec le programme chorégraphique, car elles aussi donnent un aperçu de notre humanité commune.
Geneviève sera présente et accompagnée d’un musicien ; l’exposition sera divisée en quatre sections :
- Les Collaborations entre Nicolas Fiery et Geneviève Rault,
- Éléments Naturels,
- Dessins et Croquis de corps et/en mouvements,
- Et une section autour du thème de l’Eau.
La presse en a parlé
TEN
Adapter au théâtre TEN, pamphlet dissident d’Abbas Kiarostami, allait de soi pour la metteuse en scène iranienne Guilda Chahverdi.
Présentation
Jeudi 7 novembre à 20h30
Tout public à partir de 13 ans. Durée estimée : 1h30
CRÉATION
Pièce en persan surtitrée
Dans la filmographie d’Abbas Kiarostami, figure majeure du cinéma iranien, Ten occupe une place singulière. Adapter au théâtre ce pamphlet dissident allait de soi pour la metteuse en scène iranienne Guilda Chahverdi, qui a quitté l’Iran avec sa sœur et ses parents après l’instauration de la République islamique.
L’histoire est à la fois simple et d’une profonde subtilité : une jeune femme sert occasionnellement de chauffeur à ses amies ou à des inconnues. À travers leurs conversations, le spectateur est plongé dans les réalités complexes et les tensions sociales de la société iranienne contemporaine. Les échanges révèlent des dynamiques familiales, des conflits générationnels, des questions de genre et des réflexions sur la foi et la morale.
Le film présente dix séquences dialoguées, d’inégales durées, numérotées par ordre décroissant. Cinq femmes et un enfant viennent prendre place à côté de Mania, au volant d’une voiture. Les épisodes se déroulent sur plusieurs jours et se situent tous dans la voiture conduite par la jeune femme, mère d’un garçon de 10 ans. Mania est divorcée et remariée ; elle mène les conversations avec chacune des personnes qui s’installent dans sa voiture.
Elle ne les connait pas toutes. C’est une habitude très fréquente en Iran de prendre des passagers inconnus sans pour autant être chauffeur de taxi. Les personnages sont Mania la conductrice, Amin, son fils, Mandana, sa soeur (sur la route de la maison de Mania), une vieille femme (sur le chemin du mausolée), une prostituée (la nuit, un temps durant son travail), une jeune femme (sur le chemin du mausolée) et enfin Roya, une amie de Mania (sur le chemin d’un restaurant).
Au-delà de la trajectoire personnelle de cinq femmes et de l’enfant Amin, l’oeuvre évoque les grands thèmes de l’existence humaine : la famille, la religion, la sexualité, l’éducation, l’amour, le langage. Les dix étapes de la vie des personnages pourraient aussi bien représenter la trajectoire mentale et émotionnelle d’une seule et unique femme.
Guilda Chahverdi
TEN
Adapter au théâtre TEN, pamphlet dissident d’Abbas Kiarostami, allait de soi pour la metteuse en scène iranienne Guilda Chahverdi.
Présentation
Jeudi 7 novembre à 20h30
Tout public à partir de 13 ans. Durée estimée : 1h30
CRÉATION
Pièce en persan surtitrée
Dans la filmographie d’Abbas Kiarostami, figure majeure du cinéma iranien, Ten occupe une place singulière. Adapter au théâtre ce pamphlet dissident allait de soi pour la metteuse en scène iranienne Guilda Chahverdi, qui a quitté l’Iran avec sa sœur et ses parents après l’instauration de la République islamique.
L’histoire est à la fois simple et d’une profonde subtilité : une jeune femme sert occasionnellement de chauffeur à ses amies ou à des inconnues. À travers leurs conversations, le spectateur est plongé dans les réalités complexes et les tensions sociales de la société iranienne contemporaine. Les échanges révèlent des dynamiques familiales, des conflits générationnels, des questions de genre et des réflexions sur la foi et la morale.
Le film présente dix séquences dialoguées, d’inégales durées, numérotées par ordre décroissant. Cinq femmes et un enfant viennent prendre place à côté de Mania, au volant d’une voiture. Les épisodes se déroulent sur plusieurs jours et se situent tous dans la voiture conduite par la jeune femme, mère d’un garçon de 10 ans. Mania est divorcée et remariée ; elle mène les conversations avec chacune des personnes qui s’installent dans sa voiture.
Elle ne les connait pas toutes. C’est une habitude très fréquente en Iran de prendre des passagers inconnus sans pour autant être chauffeur de taxi. Les personnages sont Mania la conductrice, Amin, son fils, Mandana, sa soeur (sur la route de la maison de Mania), une vieille femme (sur le chemin du mausolée), une prostituée (la nuit, un temps durant son travail), une jeune femme (sur le chemin du mausolée) et enfin Roya, une amie de Mania (sur le chemin d’un restaurant).
Au-delà de la trajectoire personnelle de cinq femmes et de l’enfant Amin, l’oeuvre évoque les grands thèmes de l’existence humaine : la famille, la religion, la sexualité, l’éducation, l’amour, le langage. Les dix étapes de la vie des personnages pourraient aussi bien représenter la trajectoire mentale et émotionnelle d’une seule et unique femme.
Guilda Chahverdi
La presse en a parlé
À NOS ADULTES
Ce spectacle familial donne la parole à l’enfant-penseur, celui qui a le droit de questionner le monde qui l’entoure et d’exprimer son opinion sur la vie.
Présentation
Mercredi 6 novembre à 14h30
Tout public à partir de 7 ans. Durée estimée : 52 minutes
Un regard d’enfant(s) sur le monde des « grands »
Des interrogations sur ce monde étrange des « grands », Frédérique en avait plein la tête quand elle était petite dans les années 80. Devenue adulte, c’est avec ses souvenirs et les observations des enfants d’aujourd’hui qu’elle essaie de comprendre en quoi elle s’est transformée et comment se joue notre vie en mineur ou majeur.
Ce trio musicien, comédienne et marionnette-sonore nous fait vivre de tendres moments et nous invite tous à de pertinentes réflexions !
Un spectacle familial pas très sage et plein d’humour qui ouvre le dialogue entre les générations. Il donne la parole à l’enfant-penseur, celui qui a le droit de questionner le monde qui l’entoure et d’exprimer son opinion sur la vie.
À NOS ADULTES
Ce spectacle familial donne la parole à l’enfant-penseur, celui qui a le droit de questionner le monde qui l’entoure et d’exprimer son opinion sur la vie.
Présentation
Mercredi 6 novembre à 14h30
Tout public à partir de 7 ans. Durée estimée : 52 minutes
Un regard d’enfant(s) sur le monde des « grands »
Des interrogations sur ce monde étrange des « grands », Frédérique en avait plein la tête quand elle était petite dans les années 80. Devenue adulte, c’est avec ses souvenirs et les observations des enfants d’aujourd’hui qu’elle essaie de comprendre en quoi elle s’est transformée et comment se joue notre vie en mineur ou majeur.
Ce trio musicien, comédienne et marionnette-sonore nous fait vivre de tendres moments et nous invite tous à de pertinentes réflexions !
Un spectacle familial pas très sage et plein d’humour qui ouvre le dialogue entre les générations. Il donne la parole à l’enfant-penseur, celui qui a le droit de questionner le monde qui l’entoure et d’exprimer son opinion sur la vie.
La presse en a parlé
La presse en a parlé
LA TERRASSE Un théâtre poignant, profond, qui se noue au-delà de la surface des choses, et qui ne ressemble à aucun autre.
FRANCE INFO Puissant et poétique. […] Une ode à la vie. […] On éclate de rire, souvent, et on se surprend à essuyer des larmes au coin des yeux.
L'HUMANITÉ Étonnant et totalement réussi.
LE BRUIT DU OFF Un spectacle optimiste, tendre, participatif, profond, sensible.
LE MONDE Le comédien est remarquable.
TOUTES LES CHOSES GÉNIALES
Une proposition théâtrale inclassable : entre requiem joyeux et jeu de rôle malicieux.
Présentation
Jeudi 17 et vendredi 18 octobre à 20h30
Tout public à partir de 14 ans. Durée estimée : 1h
Imprégné de toute la chaleur et la mélancolie liées aux impressions d’enfance, Toutes les choses géniales est un texte autant léger que son sujet est grave : le suicide regardé en face et sans complaisance.
On y suit l’histoire d’une personne qui raconte son expérience de la perte d’un proche à travers un échange avec le public simple et ludique. Derrière le récit de cette traversée singulière, la pièce invite chacun à questionner son rapport à la vie et à la mort, avec un humour vivifiant.
Bien plus qu’un récit linéaire, la pièce, fortement marquée par le stand-up, évolue en complicité avec les spectateurs.
Une proposition théâtrale inclassable : entre requiem joyeux et jeu de rôle malicieux.
TOUTES LES CHOSES GÉNIALES
Une proposition théâtrale inclassable : entre requiem joyeux et jeu de rôle malicieux.
Présentation
Jeudi 17 et vendredi 18 octobre à 20h30
Tout public à partir de 14 ans. Durée estimée : 1h
Imprégné de toute la chaleur et la mélancolie liées aux impressions d’enfance, Toutes les choses géniales est un texte autant léger que son sujet est grave : le suicide regardé en face et sans complaisance.
On y suit l’histoire d’une personne qui raconte son expérience de la perte d’un proche à travers un échange avec le public simple et ludique. Derrière le récit de cette traversée singulière, la pièce invite chacun à questionner son rapport à la vie et à la mort, avec un humour vivifiant.
Bien plus qu’un récit linéaire, la pièce, fortement marquée par le stand-up, évolue en complicité avec les spectateurs.
Une proposition théâtrale inclassable : entre requiem joyeux et jeu de rôle malicieux.
La presse en a parlé
LA TERRASSE Un théâtre poignant, profond, qui se noue au-delà de la surface des choses, et qui ne ressemble à aucun autre.
FRANCE INFO Puissant et poétique. […] Une ode à la vie. […] On éclate de rire, souvent, et on se surprend à essuyer des larmes au coin des yeux.
L'HUMANITÉ Étonnant et totalement réussi.
LE BRUIT DU OFF Un spectacle optimiste, tendre, participatif, profond, sensible.
LE MONDE Le comédien est remarquable.
La presse en a parlé
TÉLÉRAMA Scénographie monumentale et magnifique (...) Le corps est en jeu dans ce beau duo sur la relation père-enfant, où chacun apprend de l’autre dans le labyrinthe de la vie.
FRANCE INTER Très jolie fable sur les relations parents enfants. Le décor est grandiose. Icare est une pure rêverie pour les enfants mais aussi pour les adultes. (Stéphane Capron)
SCENE WEB Un objet scénique magnifique qui ravit les regards et soulève le cœur, une fable merveilleuse sur l’ambivalence d’être parent, sur ce qu’il y a à réparer chez soi pour pouvoir accompagner plus petit que soi, et surtout, sur la phénoménale aptitude des enfants au dépassement de soi et l’éblouissement qu’elle génère chez ses parents. (Marie Plantin)
PARIS MÔME Une création grand format qui interroge avec intelligence ces liens qui emprisonnent, et ce que grandir veut dire.
ICARE
À chaque pas vers l’autonomie et la liberté, des ailes pousseront dans le dos d'Icare… Démarre alors une aventure hors du commun.
Présentation
Samedi 12 octobre à 17h30
Tout public à partir de 5 ans. Durée estimée : 55 minutes
« Si tu veux savoir voler, apprends déjà à tomber »
Le jour de la rentrée, un copain demande à Icare, 4 ans et demi, s’il est cap de sauter du muret dans la cour de récréation. Parce qu’il a en tête les recommandations de son père, il n’ose pas faire le grand saut. Le soir venu, il raconte à son papa les moqueries de ses camarades. Icare se rend compte qu’il n’est cap de rien : de mettre la table parce que les couteaux ça coupe, de demander à Ariane si elle veut jouer avec lui parce qu’il est trop timide…
Il décide alors de grandir. De prendre enfin des risques, malgré les inquiétudes paternelles. Dès le lendemain, il osera, il sautera. À chaque pas vers l’autonomie et la liberté, des ailes pousseront dans son dos… Démarre alors une aventure hors du commun.
AUTOUR DU SPECTACLE
ATELIER CRÉATIF EN FAMILLE
Construisez vos ailes ! en trois temps : échange, création, jeu improvisation.
Samedi 12 octobre 10h/13h.
À partir de 6 ans.
Gratuit sur réservation accueil@theatreantoinewatteau.fr
ICARE
À chaque pas vers l’autonomie et la liberté, des ailes pousseront dans le dos d'Icare… Démarre alors une aventure hors du commun.
Présentation
Samedi 12 octobre à 17h30
Tout public à partir de 5 ans. Durée estimée : 55 minutes
« Si tu veux savoir voler, apprends déjà à tomber »
Le jour de la rentrée, un copain demande à Icare, 4 ans et demi, s’il est cap de sauter du muret dans la cour de récréation. Parce qu’il a en tête les recommandations de son père, il n’ose pas faire le grand saut. Le soir venu, il raconte à son papa les moqueries de ses camarades. Icare se rend compte qu’il n’est cap de rien : de mettre la table parce que les couteaux ça coupe, de demander à Ariane si elle veut jouer avec lui parce qu’il est trop timide…
Il décide alors de grandir. De prendre enfin des risques, malgré les inquiétudes paternelles. Dès le lendemain, il osera, il sautera. À chaque pas vers l’autonomie et la liberté, des ailes pousseront dans son dos… Démarre alors une aventure hors du commun.
AUTOUR DU SPECTACLE
ATELIER CRÉATIF EN FAMILLE
Construisez vos ailes ! en trois temps : échange, création, jeu improvisation.
Samedi 12 octobre 10h/13h.
À partir de 6 ans.
Gratuit sur réservation accueil@theatreantoinewatteau.fr
La presse en a parlé
TÉLÉRAMA Scénographie monumentale et magnifique (...) Le corps est en jeu dans ce beau duo sur la relation père-enfant, où chacun apprend de l’autre dans le labyrinthe de la vie.
FRANCE INTER Très jolie fable sur les relations parents enfants. Le décor est grandiose. Icare est une pure rêverie pour les enfants mais aussi pour les adultes. (Stéphane Capron)
SCENE WEB Un objet scénique magnifique qui ravit les regards et soulève le cœur, une fable merveilleuse sur l’ambivalence d’être parent, sur ce qu’il y a à réparer chez soi pour pouvoir accompagner plus petit que soi, et surtout, sur la phénoménale aptitude des enfants au dépassement de soi et l’éblouissement qu’elle génère chez ses parents. (Marie Plantin)
PARIS MÔME Une création grand format qui interroge avec intelligence ces liens qui emprisonnent, et ce que grandir veut dire.
Étonnez vos oreilles > In this house
Dans son solo pour voix, objets et électronique, Linda Edsjö part à la découverte d’une maison de campagne qui reste alors que les humains vont et viennent.
Présentation
Samedi 5 octobre à 16h
Tout public à partir de 6 ans. Durée estimée : 2h
Le concert à 16h
Fruit d’innombrables recherches musicales, textuelles et sonores, In this house explore l’environnement intérieur et extérieur d’une vieille maison. À la recherche de toujours plus de sons, de toujours plus d’histoires, Linda Edsjö nous amène dans un voyage sonore et poétique hors et avec le temps.
Dans ce solo pour objets, voix et électronique, elle part à la découverte d’une maison de campagne, soulevant le couvercle de la nostalgie, ouvrant les placards de l’imaginaire. Il sera question de la profondeur du puits et de sa résonance, du nombre de tuiles sur le toit, de traces du passé, de chants danois et de poésie anglaise.
Sous les savantes lumières de Sam Mary, la structure prend vie, tantôt élément de scénographie, tantôt instrument de musique. Passez la porte, la visite commence…
L’atelier à 17h15
Après le spectacle, Linda Edsjö vous invite à une visite guidée dans le décor sonore de In this house. Elle présentera les différents objets et matériaux sur lesquels elle joue, parlera de leur origine, de leurs histoires et des associations qu'ils ont suscité dans son imaginaire.
L'occasion pour le public de les manipuler et les faire sonner, et de découvrir également les particularités techniques du spectacle, en particulier le fonctionnement de l'électronique en temps réel.
Étonnez vos oreilles > In this house
Dans son solo pour voix, objets et électronique, Linda Edsjö part à la découverte d’une maison de campagne qui reste alors que les humains vont et viennent.
Présentation
Samedi 5 octobre à 16h
Tout public à partir de 6 ans. Durée estimée : 2h
Le concert à 16h
Fruit d’innombrables recherches musicales, textuelles et sonores, In this house explore l’environnement intérieur et extérieur d’une vieille maison. À la recherche de toujours plus de sons, de toujours plus d’histoires, Linda Edsjö nous amène dans un voyage sonore et poétique hors et avec le temps.
Dans ce solo pour objets, voix et électronique, elle part à la découverte d’une maison de campagne, soulevant le couvercle de la nostalgie, ouvrant les placards de l’imaginaire. Il sera question de la profondeur du puits et de sa résonance, du nombre de tuiles sur le toit, de traces du passé, de chants danois et de poésie anglaise.
Sous les savantes lumières de Sam Mary, la structure prend vie, tantôt élément de scénographie, tantôt instrument de musique. Passez la porte, la visite commence…
L’atelier à 17h15
Après le spectacle, Linda Edsjö vous invite à une visite guidée dans le décor sonore de In this house. Elle présentera les différents objets et matériaux sur lesquels elle joue, parlera de leur origine, de leurs histoires et des associations qu'ils ont suscité dans son imaginaire.
L'occasion pour le public de les manipuler et les faire sonner, et de découvrir également les particularités techniques du spectacle, en particulier le fonctionnement de l'électronique en temps réel.
La presse en a parlé
La presse en a parlé
LA TERRASSE Si la forme est légère, dans une volonté d’intimité, la danse reste à l’image de la démarche de Mourad Merzouki. [...] La fusion des langages, entre le contemporain et l’urbain, ou entre la musique et la danse, est la dynamique qui inspire le spectacle et engage les artistes dans une énergie déferlante. »
BULLES DE GONES Mourad Merzouki nous promet rencontre, dialogue et fusion au plateau de la danse hip-hop avec la musique ancienne… et une touche d’électro. [...] Les subtiles lumières sont l’écrin de la singulière rencontre entre l’envoûtante viole de gambe et la précision du geste des quatre sublimes danseurs.
DANSES AVEC LA PLUME Depuis Folia, l’on sait l’envie de Mourad Merzouki de mêler musique baroque et danse hip-hop. Il continue cette expérience avec Phénix, pour un format plus intimiste, entre quatre danseurs et danseuses et une joueuse de viole de gambe, accompagnée par des musiques électro additionnelles.
PHÉNIX
Phénix est né d’une rencontre inattendue et singulière entre la viole de gambe et la danse, où quatre danseurs dialoguent avec cet instrument à cordes très en vogue au XVIIe siècle.
Présentation
Vendredi 4 octobre à 20h30
Tout public à partir de 7 ans. Durée estimée : 1h
Cette pièce bouscule les codes entre musiciens et danseurs.
Phénix est né d’une rencontre inattendue et singulière entre la viole de gambe et la danse, où quatre danseurs dialoguent avec cet instrument à cordes très en vogue au XVIIe siècle. Les artistes évoluent également sur des musiques électro additionnelles pour renforcer la puissance de cette association inattendue.
Poursuivant sa démarche d’ouverture et de confrontation entre les esthétiques, Mourad Merzouki réunit des disciplines que tout oppose, pour créer une forme légère et singulière. Dans une ambiance intimiste, les artistes croisent leurs univers pour présenter une pièce inédite, sublimée par leur alchimie !
PHÉNIX
Phénix est né d’une rencontre inattendue et singulière entre la viole de gambe et la danse, où quatre danseurs dialoguent avec cet instrument à cordes très en vogue au XVIIe siècle.
Présentation
Vendredi 4 octobre à 20h30
Tout public à partir de 7 ans. Durée estimée : 1h
Cette pièce bouscule les codes entre musiciens et danseurs.
Phénix est né d’une rencontre inattendue et singulière entre la viole de gambe et la danse, où quatre danseurs dialoguent avec cet instrument à cordes très en vogue au XVIIe siècle. Les artistes évoluent également sur des musiques électro additionnelles pour renforcer la puissance de cette association inattendue.
Poursuivant sa démarche d’ouverture et de confrontation entre les esthétiques, Mourad Merzouki réunit des disciplines que tout oppose, pour créer une forme légère et singulière. Dans une ambiance intimiste, les artistes croisent leurs univers pour présenter une pièce inédite, sublimée par leur alchimie !
La presse en a parlé
LA TERRASSE Si la forme est légère, dans une volonté d’intimité, la danse reste à l’image de la démarche de Mourad Merzouki. [...] La fusion des langages, entre le contemporain et l’urbain, ou entre la musique et la danse, est la dynamique qui inspire le spectacle et engage les artistes dans une énergie déferlante. »
BULLES DE GONES Mourad Merzouki nous promet rencontre, dialogue et fusion au plateau de la danse hip-hop avec la musique ancienne… et une touche d’électro. [...] Les subtiles lumières sont l’écrin de la singulière rencontre entre l’envoûtante viole de gambe et la précision du geste des quatre sublimes danseurs.
DANSES AVEC LA PLUME Depuis Folia, l’on sait l’envie de Mourad Merzouki de mêler musique baroque et danse hip-hop. Il continue cette expérience avec Phénix, pour un format plus intimiste, entre quatre danseurs et danseuses et une joueuse de viole de gambe, accompagnée par des musiques électro additionnelles.
La presse en a parlé
FRANCE INFO Il avait déjà laissé entendre quelques sons énervés et guitares saturées dans des chansons des précédents albums Enfantillages comme "Du gros son" ou "Hyperactif". Cette fois, ce sont tous les titres qui prennent la couleur du metal pour Enfantillages 666 (le nombre du diable !). Le chanteur compositeur interprète Aldebert nous régale d'un opus plus intergénérationnel que jamais.
OUEST FRANCE Considéré comme « le chanteur préféré des enfants », Aldebert n’a pas son pareil pour parler aux petits et grands.
LA DÉPECHE C'est une star des cours de récré qui se réclame d'Anne Sylvestre comme de Metallica : le chanteur Aldebert multiplie les projets, des musiques du monde aux "concerts dessinés". Hors du radar des radios, il continue de remplir les salles en France.
L'EST RÉPUBLICAIN Aldebert a laissé les manettes à son jumeau maléfique Helldebert. Ce grand frère « métalleux » emmène les kids en pays metal. Forcément, ça envoie du lourd tout en gardant cette légèreté propre aux enfants. À recommander vivement pour petits… et leurs parents !
ALDEBERT > Helldebert Enfantillages 666
Aldebert a le secret de la recette magique. Au gré de ses albums, il a régulièrement glissé vers des arrangements rock/metal. Enfantillages 666 est porté par Helldebert, son jumeau maléfique.
Présentation
Mercredi 2 octobre à 19h. Au Pavillon Baltard (12, avenue Victor Hugo)
Tout public à partir de 5 ans. Durée estimée : 1h20
Aldebert a le secret de la recette magique. Des mélodies d’une efficacité redoutable, des orchestrations ciselées et des sujets ouverts sur le monde, avec ce prisme bien à lui qui parle à toutes les générations. Il réussit la performance d’éveiller l’enfant et de réveiller cette part d’enfance souvent oubliée des adultes.
Au gré de ses albums, il a régulièrement glissé vers des arrangements rock/metal.
Son nouveau projet, Enfantillages 666, porté par Helldebert, son jumeau maléfique, fait la part belle à ce genre musical, dans lequel il a déjà œuvré avec ses premiers groupes, et qu’il affectionne particulièrement depuis l’adolescence.
Des chansons qui s’annoncent un peu plus « musclées » qu’à l’habitude : prêts pour un moment de rock’n roll en famille ? À partager bien sûr, de.... 5 à 125 ans (et plus) ! Le rock’n roll est éternel !
Interview d'ALDEBERT parue dans le Nogent mag de septembre / octobre 2024 (pdf)
COUP DE COEUR LECTURE
Mes premières chansons d'Aldebert
Éditions Grund
6 extraits originaux des chansons d'Aldebert pour faire découvrir aux plus petits son univers joyeux et vitaminé !
Anne libraire jeunesse / Librairie des petits AGORA / 107, Grande rue Charles de Gaulle
